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On ne l' attendait plus. Dj Elmoe sort enfin un disque sur un label digne de ce nom. Planet Mu évidemment. Le grand espoir du Footwork découvert sur la légendaire compilation Bangs & Works Volume 1 de 2010 en était l' une des grandes révélations. 15 ans plus tard son "Battle Zone" replace au sommet du genre ce garçon qui si il n' avait cessé de produire de la musique n' avait jamais bénéficié des projecteurs médiatiques. Une immense injustice vient d' être réparée. Intriguant Dj Elmoe l' a toujours été. Dès ses deux titres présents sur Bangs & Works il se différenciait de la scène Footwork puis très vite il disparut pour ne réapparaître que très discrètement par sa participation aux disques des autres mais surtout par des albums sortis en catimini sur le net. "Battle Zone" fait disparaître le brouillard dans lequel Johnathan Tapp aka Dj Elmoe aimait à se lover. Il s' agit bien d'un artiste différent des autres du Southside Chicago préférant offrir une version expérimentale d' un Footwork qui ne cherche ainsi plus vraiment à faire danser. En terme de diversité j' expliquais récemment que Traxman ( ici ) faisait office de mètre étalon dans le Footwork mais Dj Elmoe va encore plus loin en n' hésitant pas à convoquer la Bossa Nova, le classique, la Lounge Music et carrément un accordéon. Mieux encore. Elmoe n' est pas addicte aux sacrés 150-160 BPM. Les tempos chez lui sont bien plus diversifiés que chez ses petits camarades. On le savait mais les 25 titres plus ou moins anciens de ce disque qui peut s' apparenter à une compilation le démontrent avec force. Dj Elmoe est l' un des plus grands. IL peut aisément s' assoir à la table de DJ Rashad, Traxman et RP Boo. De plus il fait figure de trait d' union parfait avec ses soeurs Jlin et Jana Rush plus portées sur l' expérimentation. Redécouvrir son Footwork longtemps mis de côté nous fait rencontrer miraculeusement le choc ressenti début 10's quand le courant explosa à la face du monde. Un choc d' étrangeté et de nouveauté. Tout y est comme en 2010. Ces percussions frétillantes et discrètes qu' il dispose avec parcimonie et malice. Cette TR 808 Rolland qui sait prendre son temps tant elle est maniée avec une agilité assurée. Ces samples qui prennent eux aussi le temps de se dévoiler pour mieux vous faire chanceler et surprendre. Doit-on danser ou tout simplement écouter? Et que dire de cet art de la fausse piste quand les autres, même le meilleurs ne surprennent plus vraiment. La palettes des sentiments est multiple et souvent paradoxale. On peut passer de l' euphorie à l' apaisement et du rêve à l' anxiété en quelques secondes. 15 ans après Dj Elmoe réussit à m' offrir l' un de mes fameux fantasmes musicaux non réalisés jusqu' alors. Combiner le Footwork avec l' autre important courant apparu à la même époque, l' Hypnagogic Pop. "Battle Zone" replace Dj Elmoe dans l' Olympe du Footwork et prouve quelques semaines après le disque de Traxman à quel point ce genre sera toujours synonyme de modernité intemporelle. Maintenant il ne me reste plus qu' à placer ce disque dans le Top du genre que vous retrouverez ici .

Les YHWH Nailgun étaient apparus sur les radars en 2022 avec deux Ep tout autant intriguant l' un que l' autre. Depuis le buzz est monté progressivement chez les amateurs de musiques anticonformistes qui les attendaient au tournant avec fébrilité par crainte d' être confronté une nouvelle fois à une si belle promesse non tenue . Trois ans plus tard "45 Pounds" déboule enfin et c' est un véritable coup de tonnerre. Mes premières impressions vers la fin 2023 étaient partagées. Entre un fol espoir et l' inquiétude que cela soit trop beau pour être vrai. Avec leurs lacunes inhérentes à leur jeunesse d' alors, parfois on s' y perdait et eux ne semblaient pas toujours savoir où ils allaient, "YHWH Nailgun" et "No Midwife and I Wingflap" apparaissaient clairement dans mon esprit comme la réponse ricaine aux géniaux irlandais Girl Band/Gilla Band ( ici ) et aux percussions de Valentina Magaletti au sein de Moin ( ici ) . L' association de ces deux groupes prenait alors dans mon petit cerveau le rôle d' un pur fantasme tant je les adule. "45 Pounds" voit YHWH Nailgun (prononcez Yahvé) resserrer leur art et aller au plus simple. Efficacité absolue, œuvre brut sismique susceptible de charmer sans pour autant tomber dans un compromis fruit de la timidité du débutant qui n' ose pas tout. En 10 titres condensé en à peine 21 minutes les originaires de Brooklyn balance une énorme bombe sur les territoires Rock Indie. Fini les faux semblants niaiseux des uns et les redites copieuses des autres. C 'est une relecture totale du style et le renversement de la combinaison désuète traditionnelle Guitare-Voix-Batterie. Les YHWH Nailgun délivre une conception du Rock réellement innovante et captivante. Plus j' écoute cette musique et plus j' ose penser que YHWH Nailgun nous offre à force de déconstruction des habitudes et des us et coutumes la version rock de ce qui se fit il y a peu en électro, la Deconstructed Club ( ici ) . L' auditeur va identifier des tropes de vieux courants et styles apparentés au Rock totalement détournés et utilisés d' une manière profondément idiosyncratique. Ont-ils écouté Arca, SD Laika, HYph11E, Chino Amobi ou Sophie? On peut également évoquer l' HyperPop tant cette musique offre un Rock dans une version à la fois viscérale et cérébrale n' hésitant à en faire trop via un second degré totalement assumé. "45 Pounds" c' est un shoot de dopamine évoquant la vie numérique de la génération Z. Nous sommes confronté au déversement ininterrompu de désir inassouvis, de frustrations, d' informations parfois contradictoires souvent interrompues et parasités par d' autres. Cette musique de l' ère Internet est à son image, frénétique. Les mélodie sont amputées et les paroles que des bribes chopées à la volet. Devant vous le chaos humain post moderne de 2025. Entre désolation et volonté de foutre en l' air ce qui semble tenir encore debout mais cache l' horizon et le chemin du grand tournant. Ce monde que nous décrive les YHWH Nailgun peut paraître certes absurde, risible, ridicule et flippant mais ils le font d' une manière absolument pas nihiliste et hostile tant ils peuvent redonner la force d' affronter ce réel. Il est impossible de les étiqueter. Bien sûr que parfois ce Groove venu de nul part peut évoquer LCD Soundsystem aux jouvenceaux des 00's mais pour les autres ce sera des noms bien plus illustres parce qu' en leur temps bien plus originaux que le gentil grassouillet Prof Pépère de Dance Punk James Murphy. Dire que YHWH Nailgun ça ressemble à des Liquid Liquid ou A Certain Ratio et The Pop Group n' est pas faux mais encore trop vague. Il faut encore plus fouiller dans la catégorie Experimentale et une filiation via l' audace et certaines sonorités va apparaître. This Heat ! Comme les anglais en leur temps les jeunots de Brooklyn adorent les textures singulières et n' hésitent pas à utiliser des idées tonales parfois très éloignées et différentes les une des autres. L' auditeur est en permanence surpris et l' imprévisibilité est leur marque de fabrique sur l' aspect son qui peut être à la fois métallique et synthétique, diffus et opaque. Imprévisibilité toujours concernant les structures des titres. Ils ont beau être courts cela ne les empêche en rien de vous déconcerter par leurs tournures. Ces compositions sont absolument anticonformistes et ne cesseront de surprendre voir de choquer. Je parlais de Groove plus haut et il apparaît clairement que la grande star de ce disque est le batterie. Tenue par Sam Pritchard qui officine aussi en temps que producteur. Ce type a la polyrythmie dans le sang, un goût et un don unique pour toujours être sur le fil du rasoir de la cacophonie. Avec une souplesse hallucinante il fait preuve d' une hyperactivité hallucinante quand il s' agit de changer de rythme ou de chercher sur tous les éléments de sa batterie le son qui va vous emporter loin de la routine Rock. A ce sujet les YHWH Nailgun sont profondément Dada dans cette façon qu' ils ont de s' inspirer du Free Jazz sans jamais plagier le passé. Entre provocation et authenticité absolue. Ils vont encore plus loin que Still House Plants dans ce domaine. La complexité rythmique peut certes évoquer le Math Rock mais franchement on est loin de ce que nous offrit il y a peu la vague revivaliste dans le domaines et qui provoqua souvent chez moi et d' autres une aversion définitive liée à une forme d' overdose avec un courant rapidement devenu trop traditionnaliste. L' autre star du disque est la voix de Zack Borzone. Parfois on se demande si ce n' est pas la Kim Gordon des grands jours qui aboie, grogne et hurle tout ce qu' il a au fond des tripes. Lui aussi semble prendre un immense et pervers plaisir à ne jamais tomber dans le déjà entendu. Quand Pickard avec sa batterie tient la baraque et envoie les titres dans la quatrième dimension et que Borzone vous arrache à la torpeur du "consommateur" de musique divertissante les deux autres membres du groupe, Jack Tobias et Saguiv Rosenstock, en remette une couche à grand coup de synthés déformés surnaturels et de guitares totalement méconnaissables. C 'est surtout sur ces sons de guitares inédits et l' anticonformisme des compos avec le goût des cris de bêtes qu 'il faut penser aux adorables Girl Band/Gilla Band même si chez les irlandais nous semblons être confronté à une façon multidimensionnelle quand les ricains ne jurent que par une démarche purement anti conventionnelle. Face à la rugosité de cette musique et la déferlante sonore qu' elle contient on peut parler de Hardcore mais alors dans une version bien plus complexe et réfléchie qu' il n' y parait. Une version surtout fertile pour l' avenir. Les YHWH Nailgun se rapprochent des révélations expérimentalistes de l' an dernier, Moin et Still House Plants et avec eux enfin, on peut dire définitivement après les éclaireurs Girl Band/Gilla Band, que le Rock a retrouvé le goût du risque et a définitivement repris le chemin du futur.

De gauche à droite: Jam City, M.E.S.H., Total Freedom et Lotic. En cette année 2018 le Post-Club est au centre de l' actualité en ce qui se fait de plus avant-gardiste en électro. De plus rafraîchissant. Mais comme bien souvent l' étiquette même de Post-Club peut paraître si flou que certains arrivistes qui ont par exemple découvert Lotic cette année sont susceptibles d' y mettre un peu tout ce qui y ressemble. SOPHIE a-t-elle à voir par exemple avec les Lotic et autres pensionnaire du club Janus? Bref on peut s' attendre à un peu tout et n' importe quoi d' ici peu. Surtout que le mot n' est pas encore réellement sur toute les lèvres et sous les plumes. Comme d' habitude les artistes eux-même y sont pour quelques choses à force de ne vouloir pas être affiliés à un machin réducteur et d' y perdre ainsi un peu de leur singularité. Souvenir d'un interview franchouillarde bâclée où Lotic suite à un quiproquos sur le terme expliquait à quel point il voulait justement rester dans le club. Post ne désigne évidemment pas la sortie du club mais bel et bien d' y incorporer de nouvelles visions musicales. On peut parfois également retrouver les même artistes sous l' appellation de Deconstructed-Club. Cette dernière est revenue sans cesse tout au long de l' histoire pour des scènes et artistes bien éloignés du sujet du jour (voir idm). Bref, c' est pas clair cette affaire et ce dernier terme risque d' en perdre plus d'un tant Deconstructed-Club peut désigner uniquement une simple technique de création musicale. Lee Gamble ou Lorenzo Senni ne font que ça et pourtant. Partagent-ils plus avec un M.E.S.H. ? On peut s' interroger si derrière ces deux désignations il existe une véritable cohésion justifiant sa légitimité. Si ce n' est pas une invention journalistique pour définir un machin qui a justement semblé pendant très longtemps échapper à la presse musicale. Ce n' est pas faute de vous avoir tenu au courant des liens tissés et des affinités régulièrement dans ce blog tant les principaux acteurs de cette scène y sont présents. Les M.E.S.H., Lotic, Amnesia Scanner, Rabit, NON Worlwide et compagnie. Il est donc venu le temps de faire le point sur le sujet. Une récapitulation haut combien nécessaire tant le sujet est flou mais aussi et surtout parce que tous ces artistes sont en train de booster les musiques dites électroniques. Yves Tumor vient d' écraser la rentrée avec son album et je peux vous affirmer que si ça ne saute pas aux oreilles le type a bien plus de point commun avec le Post-Club qu' avec la pluspart de ses collègues de WARP. LES ORIGINES DE LA DECONSTRUCTED CLUB: Venus aux platines des mythiques GHE20GOTH1C Au début de la deuxième décennie du siècle dans les bas-fonds de New York certains se sont mis à tout casser à grand coup de marteau-piqueurs informatiques, de croisements de looks et d' innovation en matière de DJing. Que ce soit les barrières musicales comme celles de goûts sexuels et des origines sociales et raciales. L' épicentre se trouvait vers Brooklyn au cours des soirées mythiques GHE20GOTH1K ("Ghetto Gothic") organisées par Venus X. Elles rencontrèrent un très gros succès mais surtout une certaine reconnaissance même en France via le monde de la mode (Rihanna s' en inspira ou plutôt pilla provoquant la colère de Venus X).Très vite des mecs comme Total Freedom firent parler d' eux tant leur approche révolutionnait un peu le milieu musicale en voie de patinage nostalgico-gaga. D' une certaine manière ils étaient le pendent dancefloor et festif à l' hypnagogic-pop. D 'autres artistes éloignés de New York apparurent immédiatement dans la lignée. Chino Amobi aka Diamond Black Hearted Boy ( voir ici ), Elysia Crampton aka E+E ( voir par là )et Eric Burton aka Rabit partageait en commun avec Total Freedom un goût prononcé pour une sorte de collage sonore épique à fortes résonances conceptuelles et proche des arts visuels . Très vite ils oublièrent les règles du dancefloor et le dogmatique rythme 4/4 pour créer un tout nouveau vocabulaire musical dans lequel on pouvait également retrouver beaucoup d' éléments anthropologiques. Leurs travaux abordaient beaucoup de sujets politiques, il y était souvent question de la culture Queer, de féminisme et du genre, d' internet et de ses effets sur les relations humaines, des relations inter-raciale et des méfaits de la mondialisation via une certaine colonisation toujours présente comme passée. D 'autres favorisaient également une approche conceptuelle plus accentuée sur la technologie et le futurisme. Bref une musique réellement protestataire le regard vers le futur plutot que le passé et qui commença sérieusement à me titiller les oreilles vers 2013-14 ( ici ). Musique donc épique où opérait un certain détournement où la culture pop et dancefloor passée et présente y subissaient de violentes attaques sonores provenant aussi bien des sons préhistoriques informatiques que d'une indus abrasive. S' opérait une réel et riche brassage stylistique menant à de nouvelles formes d' hybridation. D' autres sur la côte Ouest des USA et d' un petit peu partout (Koweit!) se joignirent à leur petite révolution. Derrière la bannière du label Fade To Mind des gens comme Kingdom, Nguzunguzu et Fatima Al Qadiri venu du monde artistique commencèrent à faire parler d' eux et à fréquenter la clique d' origine. Encore plus vite le phénomène est apparu quasi simultanément de l' autre côté de l' océan. La vitesse de l' épidémie s' explique par les réseaux numériques au centre de toute cette histoire récentes. Cette scène est en effet un pure produit de la culture dancefloor passée et propagée par internet via les soundcloud et autres bandcamp. En Angleterre donc, puisqu' il ne pouvait s' agir que d' elle, Jam City et le label Night Slugs fondé par L-Vis 1990 avec leur grosse culture UK Bass s' inscrivirent dans la même démarche à leurs manières bien british. D' autres en Europe se firent tout autant prompt à suivre un mouvement qui n' en était qu'à ses balbutiement. TCF pour la Norvège avec sa cassette YYAA ( voir ici ) et Why Be au Danemark. Immédiatement cette scène se distingua par son hétérogénéité. Sociale, raciale et sexuelle. A LA CONQUÊTE DU MONDE Comme souvent ce sont les versions les plus faciles et aguicheuses de Fade To Mind et Night Slugs qui firent leur apparitions dans la presse pour recueillir un succès d' estime vers 2012-13. Pour DWTN c' était par-là et ici et j' y tissais déjà un lien toujours d' actualité entre Jam City qui venait de sortir le véritable premier album du genre ("Classical Curves") et les deux labels (Fade To Mind & Night Slugs) avec le renouveau instrumental du Grime souvent nommé Weightless, bref les Logos, Mumdance et Visionnist. Internet et le système Néo-libéral avec son emprise sur la mondialisation étant au coeur de leurs préoccupations on peut aussi évoquer un certain cousinage avec la Vaporwave bien plus calme mais tout autant provocatrice. James Ferraro est un exemple parfait à l' époque de son tournant opéré entre "Far Side Virtual" et "Sushi". Si Total Freedom trouva une solide reconnaissance avec des titres plus percutants et dansants sur les dancefloors Chino Amobi et Elysia Crampton consolidaient dans l'ombre des autres leurs conceptes et technicités pour aller encore plus loin quite à définitivement oublier la volonté de danser. Amobi en profita pour créer avec Angel-Ho NON Worldwide et offrit à cette Deconstructed-club une première plaque tournante mondiale par sa nature de rassembleuse d'une certaine diaspora et ses visées politiques et sociétales. Ce collectif bientôt label met la main sur des gens passionnant comme Mhysa, Dedekind Cut, Why Be, Klein, les Faka avec d' autres artistes Gqom et Yves Tumor. Rabit quant à lui créa la deuxième plaque tournante avec son label Halcyon Veil et continua à porter une attention particulière sur ce qui faisait en Europe que ce soit à Lisbonne et le label Principe comme Berlin. Surtout Berlin, parce que c' est dans la capitale de l' Allemagne et de la culture dancefloor continentale que le terme Post-Club trouve son origine.Bien sûr que toute cette clique n' était pas seule au monde dans sa volonté de faire bouger les choses. Eloignés dans un premier temps de cette galaxie deux autres artistes omniprésent dans ce blog montrèrent leurs bouts du nez et révélèrent de vraie similitudes dans leurs sales manières déconstructivistes et visées conceptuels. D' abord une jeune femme américaine mais passé par Berlin partageait avec eux un intérêt assumé pour la technologie et des vues futuristes. Plus proche de l'expérimentale que des soirées GhettoGohtic New Yorkaises Holly Herndon ( ici ) peut être désignée comme une cousine. L' autre est un garçon originaire du Venezuela qui montra son bout du nez discrètement d' abord puis de plus en plus lyriquement. Lui aussi faisait dans la déconstruction tarabiscotée. On évoqua immédiatement sa proximité sonore avec Total Freedom et Kingdom mais avec des petites touches R'n'B et Hip Hop plus accentuée. Son nom, Arca( ici) , et chez lui aussi il y était beaucoup question du genre, du corps et de sexualité sur un fond sonore épique aux senteurs futuristes et modernes. LE POST-CLUB et BERLIN En 2012 l' effervescence noctambule et électro de Berlin voit débouler de nouveaux venus avec la création du Club Janus ( ici ) par Dan Denorch et Michael Ladner. Immédiatement des ricains y prirent leurs quartiers et les liens avec la Deconstructed Club ricaine et anglaise s' établirent. James Whipple aka M.E.S.H. et J'Kerian Morgan aka Lotic commencent ainsi à faire parler d' eux. A ces deux nouveaux une vieille tête apparu dès les débuts se joint pour repousser les limites de ce que doit être la musique de club, Why Be. Un troisième ricain originaire de Miami et passé par l' Italie se pointe aussi et celui-là aussi va bientôt faire parler de lui. Dans un premier temps il mixera sous le pseudo de Bekélé Berhanu et sortira une mixtape très remarquée en 2015 sur le label du collectif. Son nom dans le civile selon ses dires, Sean Lee Bowie, mais son pseudo le plus connu, Yves Tumor ( ici ). Les visées conceptuelles, politiques, sociétales et musicales sont les mêmes que chez NON Worlwide et Halcyon Vieil . Au point de voir les Janus sortir des disques et collaborer avec les deux (Yves Tumor). Les velléités de réécrire les règles et casser les coutumes du dancefloor aussi au point de très vite les faire remarquer dans la cité allemande et de tisser le lien avec le Grime Weightless britannique de Logos et Visionist. Internet une nouvelle fois offre ses capacités en matière de propagation et d' amplification et le label Tri Angle s' empresse de mettre la main sur Lotic et Rabit. Signant par la même occasion un autre américain proche de tout ce petit monde, SD Laïka. M.E.S.H. signera chez les allemands de PAN Records confirmant par là les ponts entre ce nouveau dancefloor et des choses plus expérimentales et extrêmes présente sur cet important label en matière d' avant-garde. Bill Kouligas le créateur de PAN a très vite compris l' importance de la scène Deconstructed Club bientôt renommé en Europe Post-Club et son label vite devenir une autre plaque tournante pour ce mouvement. La place prépondérante de Berlin dans les musiques électro en tout genre faisant d' elle un vrai aimant une pelleté d' autres artistes rejoignent les troupes Janus au point parfois d' effectuer des virages artistiques plus ou moins serrés. Un grand contingent nordique se faufile sur les traces de Why Be. Les Finlandais Amnésia Scanner délaissent leur Tech-House faite sous le nom de Renaissance Man pour plus de sauvagerie technologique et politique. La suédoise Kablam ramène son bagage de Body-Music à la scandinave sans les connotations masculines et faschistes. Le danois Dj Hvad apporte quant à lui une pincée de culture Pendjab (Inde). PANDEMIE MONDIALE ET STYLISTIQUE Mexique 2015 Vous l' aurez compris derrière une simple homogénéité stylistique se cache en fait un puissant courant artistique aux revendications sociétales, raciales et modernistes très fortes. Revendications communes avec d' autres styles. Je parlais de la Vaporwave mais très vite une autre scène par ces accointances est à rapprocher de la Deconstructed-Floor ou Post-Club. Internet étant au coeur de son existence il apparaît très clair qu' avec son esthétique post-internet, certaines revendications féministes ou LGBT et son inscription dans le présent mondialisé via le net la clique de PC Music allait reluquer de plus près ce qui se faisait chez Janus, Halcyon ou NON Worldwide. En 2018 avec sa composante Bubblegum Bass agressive faite sur les bases d'un sérieux travail de déconstruction et d' hybridation moderniste , l' album "Oil Of Every Pearl's Un-Insides" de SOPHIE, ainsi que la personnalité de son auteur, font de lui un album très proche du "Power" de Lotic ou du "Another Life" des Amnésia Scanner. L' influence très puissante et l' ouverture d' esprit de cette scène font que partout à travers le monde de nouveaux venus peuvent facilement se revendiquer en être les enfants. La côte Ouest américaine a vu apparaître après Fade To Mind de nouvelles soirées aux cours desquels une nouvelle génération de producteurs et Dj, souvent eux aussi issus de diasporas et de minorités, firent leurs armes. On peut citer le Club Chai avec Foozool et 8unlentina. De l' autre côté de la frontière mexicaine c' est le collectif NAAFI avec Embaci, Imaabs et DEBIT au point de sortir en collaboration des disques avec NON Worldwide au sein desquels on croise certains Janus. En Angleterre c' est une nouvelle fois dans la diaspora latine qu'il faut chercher et surtout chez le Bala Club avec Kamixlo, Endgame et l' étonnante présence de la belge Sky H1. Les Sud Africains de Faka avec leur déconstruction du Gqom et leur revendication sont aussi un peu de la partie. On peut encore retrouver des liens avec les portugais de Principe Records. Plus proche dans l' esthétique et les orientations portant sur la technologie et la politique des gens comme Antwood au Canada, Brood Ma toujours en Angleterre, CECILIA et Chevel (ce dernier retisse le lien avec la Weightless Grime) en Italie, CONCLUSION: LE CHANGEMENT C' EST MAINTENANT Que l'on appelle ça Deconstruted Club ou Post-Club, ou qu' également on opère une scission entre les deux termes, il apparaît de plus en plus évident que les artistes regroupés derrières ces mots sont en train de changer la donne. Si pour le moment, on le constatera dans les bilans annuels, le tout-venant des sites et médias sous domination blanche et indie les rangent rapido dans la case fourre-tout et bien vague Avant-garde électro, les tops annuels par la présence des SOPHIE, Yves TUMOR, Lotic et d' autres vont dévoiler un peu plus l' importance du bidule pour le futur. L' éternel histoire de l'underground méprisé qui s'infiltre partout pour tout changer, recommence une fois de plus. Déjà les compiles Club Chai et NAAFI, auxquels il faut rapprocher aussi la clique Fractal Fantasy (certes un brin éloignée stylistiquement mais tout autant moderniste), sont souvent avancées par les têtes chercheuses des dancefloors comme étant les plus en avance. Des icônes et de parfait radars à Next Big Thing tel Bjork ou Aphex Twin, Daniel Lopatin et James Ferraro ne cessent de tourner autour. L' hypnagogic-Pop, la Vaporwave et le Footwork avait déjà secoué ce putain de monde devenu nostalgico-gaga. La deconstructed-Club et/ou le Post-Club avec leurs cousines la Bubblegum Bass, le Grime Weightless, la Batida portugaise et toutes autres formes de musiques à base d' hybridations et de déconstructions issues de minorités (Gqom, Singeli), sont susceptibles voir assurées, de foutre tout en l' air et devenir des influences majeurs à l' avenir. Ne loupez pas le train. SELECTION L' axe Fade To mind & Night Slugs NGUZUNGUZU,TOTAL FREEDOM & KINGDOM The Claw JAM CITY Classical Curves NGUZUNGUZU Skycell FATIMA AL QADIRI Desert Strikes KINGDOM Dreama L' axe Halcyon Veil-NON E+E The Light That you Gave Me To See You DIAMOND BLACK HEARTED BOY Father, Protect Me ELYSIAN CRAMPTON American Drift CHINO AMOBI Paradiso RABIT Baptizm RABIT Communion RABIT & CHINO AMOBI The Great Game: Freedom From Mental Poisoning MISTRESS Hollygrove NON WORLDWIDE Compilation, Vol.1& Trilogy MHYSA Fantasii LES COUSINS ELOIGNES & GRIME WEIGHTLESS HOLLY HERNDON Platform ARCA Mutant LOGOS Cold Mission VISIONIST Safe MUMDANCE & LOGOS Present Different Circles JANUS & LES NORDIQUES M.E.S.H. Piteous Gate M.E.S.H. Damaged Mec LOTIC Heterocetera LOTIC Power BEKELE BERHANU Untitled KABLAM Furiosa WHY BE Snipestreet AMNESIA SCANNER As AMNESIA SCANNER Another Life HVAD Hvad PANDEMIE MONDIALE & STYLISTIQUE SOPHIE Oil Of Every Pearl's Un Insides SD LAÏKA That's Harakiri WWWINGS Phoenixxx AÏSHA DEVI DNA Feelings ZIÙR U Feel Anything? CLUB CHAI Vol.1 N.A.A.F.I Pirata 2 BROOD MA Daze ANTWOOD Virtuous S.C.R. BALA CLUB Bala Comp Vol.1 TOXE Muscle Memory FAKA Bottoms Revenge LANARK ARTEFAX Whities 011 ENDGAME Savage DEBIT Animus PLAYLIST plus ou moins dans l' ordre de l' article

Haley Fohr aka Circuit des yeux est une des icones de ce blog. Habituée aux plus haute place du top annuel depuis douze ans elle peut aisément être considérée comme l' une des cinq plus grandes artistes de ces trente dernières années. Huit albums au compteur et, si on met de côté les trois premiers à considérer comme des œuvres de jeunesse mal dégrossies fait alors qu' elle avait à peine la vingtaine, ce n' est rien d' autre que quatre classiques absolus pour une seule artiste. Le cinquième vient de sortir et alors que l' on craignait un ralentissement ou une redite inédite dans une carrière exemplaire déjà longue de dix sept années l' américaine frappe encore très fort jusqu' à encore étonner même ses plus fidèles adorateurs. Eu égard à certains battages médiatiques par le passé bénéficiant à des chanteuses contemporaines de l' américaine (Lana Del Rey, St Vincent et la très agaçante Anna Calvi) la faible reconnaissance critique et populaire portée sur Circuit des Yeux m' a toujours semblé totalement injuste. Arrivée à l' entame des 10's Haley Fohr ne commença à faire parler d' elle que sur les sites les plus curieux et pointus. C 'est surtout "Overdue" ( ici ) en 2013 qui la plaça discrètement dans le paysage musical dans la case Folk. Immédiatement si elle se distingua pour son expérimentalisme Folk assez téméraire c' est surtout sa voix qui attira les oreilles. Une de ces voix inoubliables comme l' on croise rarement. Avec son Barython sur quatre octaves Haley Fohr ne pouvait pas passer inaperçue et avec sa musique audacieuse c'est le plus beau des spectres qui planait sur cette débutante. Celui de Nico. Lourd héritage à porter qui se vit compléter assez vite par un autre tout autant plus ardu, celui de Scott Walker. Une voix exploitée avec assurance quitte assez vite à attirer certaines critiques chez les coincés du bulbe du conformisme. Sa signature sur Thrill Jockey, un label indépendant plus réputé et suivi que le passionnant De Stijl de ses débuts et le très temporaire Ba Da Bing!, attira les rédactions et les tourneurs. Avec "In Plain Speech" ( ici ) elle bénéficia de plus de moyens ce qui enrichit sa palette instrumentale. Elle qui avouait avoir vécu en véritable ermite studieux pendant et après ses études jusqu' à "In Splain Speech" découvrit les bienfaits du travail en collaboration et ceux des rencontres au cours des tournées. A l' époque elle expliquait aussi avoir souffert de l' accueil qui avait été réservé à sa voix et son utilisation par le public Indie Américain ou européens. Face à ce conformisme affligeant mais pas vraiment surprenant quand on l' a fréquenté elle fit preuve d' un courage absolu en assumant encore plus cette voix devenant tout naturellement la clé de voute de son édifice artistique. Depuis Fohr navigue toujours sur une crête entre le trop et le pas assez. Jamais elle ne se reposa que sur cette voix au risque d' en faire trop et de ne pas renouveler l' instrumentation quand les Anna Calvi et St Vincent tombèrent dans la surcharge puis le conformisme anodin faute de réelles évolutions et prises de risque. Fohr continua ainsi à incorporer des Drone et des éléments Noise frôlant parfois l' abstraction et expérimentant sans cesse. En 2017 voit un énième changement de label prouvant la fragilité de son statut au sein du petit monde Indie ricains et "Reaching For Indigo" ( ici ) sur Drag City qui finit par installer définitivement Circuit Des Yeux sur un piédestal chez les amateurs de vraie Avant Garde. Ce qui était palpable auparavant devient également une spécificité de la belle, cette capacité hallucinante d' alterner des mélodies Pop délicates accrocheuses et bouleversantes avec des des extrêmes abstraits et téméraires. Elle s' élève  en équilibre parfait entre désordre et subtilité sur une cime irréelle. Avec ce disque elle canalise la puissance poignante et une certaine audace que sa musique propageait. Et encore et toujours cette voix. Une voix qui peut s' apparenter à un petit filet d' eau ondulant, peinant à trouver son chemin et risquant à tout moment de s' éteindre et disparaître dans les profondeurs du silence quand en un instant l' auditeur se retrouve emporté par un véritable torrent émotionnel cataclysmique. Par cette voix et ses paroles Forh atteint des degrés rares d' existentialité rarissimes en musique. Ne trichant jamais dans l' exercice méditatif et confessionnel elle est susceptible de faire fondre les plus rétifs à l' introspection et laisse rarement l' auditeur indemne. Entre temps Forh s' était aventurer dans un projet solo parallèle sous le pseudo de Jackie Lynn en 2016 ( ici ) s' apparentant à une sorte de Thriller féministe racontant la sombre destinée d' une femme faisant une mauvaise rencontre l' emportant dans le trafic de cocaïne pour finir par disparaître. Parfois très Lynchien ce disque était encore une fois l' occasion pour Fohr d' expérimenter encore et cette fois-ci surtout avec les boites à rythme très Minimal Wave et des réminiscences vocales assez Country. La passion électronique grandissant alors chez l' américaine on la retrouvera dans "Reaching For Indiguo" l' année suivante via un soin important apporté aux textures électro. Il y aura une suite beaucoup moins marquante alors mais finalement assez annonciatrice de ce qui va suivre. "Jacqueline" sorti en pleine pandémie Covid est passée inaperçue pour votre serviteur à l' époque. Toujours aventureuse Fohr continue ses aventures Minimal Wave et se lance sur des territoires Synthpop accrocheurs jusqu' à s' approcher de loin les Dancefloors. En 2021 Circuit Des Yeux passe la vitesse supérieur en matière de moyen. Entourée de 6 musiciens classiques jouant de 24 instruments allant des cuivres jusqu' aux cordes en passant par les percussions, Fohr délivre une œuvre monumentale écrite pendant la pandémie et traitant du deuil . La mort est partout sur ce disque ce qui amplifie les ambiances Gothique présente depuis toujours. "io" ( ici ) reconvoque les deux spectres Nico et Scott Walker comme jamais pour encore mieux distinguer la personnalité et le talent pure de Fohr. Elle ne sera jamais une suiveuse dénuée de personnalité et encore moins une pilleuse d' héritage. Elle nous offre une version intime et dénuée de grandiloquence obséquieuse et outrancière de la Diva. Sa voix évoque Nico mais s' en détache en allant là où l' allemande ne s' était pas toujours aventurer et en s' en émancipant définitivement. De Walker elle récupère l' aspect cinématographique , le phrasée et les sensations Baroque Pop des 60's et celles plus Post Industriels dans l' ambiance de la fin de carrière. En 2021 Circuit Des Yeux semble avoir atteint un sommet et il devient évident qu' elle arrive à un tournant de sa carrière. Quel chemin pouvait elle prendre pour échapper à la redite et à l' emphase qu' elle ne cessait de tutoyer sans y choir. Allait elle choisir un retour au minimalisme en revenant vers son Folk Expérimental des débuts ou un autre chemin? La réponse était sous nos yeux avec son projet Jackie Lynn. L' électronique. Pour réussir sa mue post "io" Haley Fohr reprit ses vieilles habitudes estudiantine en recherchant la solitude de sa cave pour écrire le futur album. Autre petit changement qui est loin d' être un simple détail concerne ses horaires de travail . Elle qui racontait s' astreindre à ses débuts à des horaires strictes de jour choisit de travailler la nuit. Le disque s' en ressent. Livrée à elle et avec les moyens du bords elle décida de quitter les salles symphoniques d' "io" pour l' ambiance Dark et Post Indus des Dancefloors. "Halo On The Inside" se révèle être un résumé parfait de la longue carrière de Fohr. A la fois direct et fugace ce disque mérite que l' on s' y plonge sans s' arrêter à l' apparence divertissante et dansante. Il alterne en permanence les extrêmes esthétiques, le tonitruant et le ouaté, le tragique et le réservé, la rigueur et la catharsis. Fohr accole les rythmes lourd Indus et Dancefloor avec des mélodies d' une délicatesse et d'un charme ravageur. La puissance poignante des débuts contenue depuis "Reaching For Indigo" est à nouveau relâchée et explose à la face des auditeurs. Sa grande liberté artistique ne semble plus connaître de restriction et c' est avec espièglerie qu' elle passera des crochets Pop lyriques à des instants planant à l' abstraction étrange. Fohr ne se contente pas de recracher ses influences Indus et Minimal Wave. C' est un véritable travail de déconstruction d' époques et de courants divers auquel nous sommes témoins. Les réminiscences 80's évoquant la sophistication d' un David Sylvian tutoient la filouterie dancefloor de la Björk des 90's si ce n' est pas carrément les Chemical Brothers subissant sa sorcellerie ou les vétérans Depeche Mode essuyant une vraie cure de jouvence bénéfique. La grandiloquence agaçante de M83 est détournée par un sortilège vers une Dark Ambient bénéfique et ne soyez pas étonné de percevoir par instant des éléments Hip Hop et House. Et encore et toujours cette voix. (Bis repetita) Cette voix nous parle encore du deuil et des métarmorphoses inévitables qui nous permettent après des épreuves à rechercher et retrouver les chemins de la beauté que la vie peut réserver pour au final atteindre le répit et clore un chapitre. Cette voix qui joue avec nos nerfs pour mieux nous emporter et détruire nos craintes et nos à priori. Les hurlements et les bêlements perdent tous les aspects grotesques que l'on pourrait leur attribuer facilement pour émouvoir au plus profond de nos âmes. Cette voix parfois jugée autrefois trop rapidement comme austère se révèle imaginative et aventureuse quand la palette technique et émotionnelle de cette chanteuse assez prévisible et identifiable devient bien plus insondable et trouble s' apparentant à un don en sorcellerie ou un travail d' alchimiste qu' elle seule maîtrise. Haley Fohr a encore réussi à travailler et fait progresser ce don qu' elle a d' expulser nos émotions les plus troublantes vers l' extérieur. "Halo In The Inside" tutoie le majestueux et l' intime, entre grandiloquence et complexité. Il marie l' instinct avec le goût pour un songwriting très structuré et réfléchi qui fait mouche systématiquement sans passer par la facilité. On croyait depuis "io" que Circuit Des Yeux avait atteint les plus haut sommets fréquentés par des Björk, des PJ Harvey ou Beth Gibbons de Portishead, lui permettant ainsi de s' approcher au plus près de spectres du passé tel Nico et Scott Walker. Elle aurait pu dévisser et chuter, elle vient tout juste de s' envoler.

Souvenez-vous de certaines scènes de films visionnées au cours de votre existence. L' action se passait dans une case, un tipi, une grotte ou une masure moyenâgeuse. Le spectateur assistait à un rite visant à guérir un personnage atteint d' un mal profond. Physique ou mental. Souvent la nuit à la lueur des flammes avec la présence de musiciens et de danseurs agissant sous les ordres d'un maître de cérémonie tenant le rôle de guérisseur. Une expérience nimbée de mystères provenant de la nuit des temps. Les temps de nos ancêtres à tous d' où qu' ils soient. Masma Dream World nous en offre sa version avec son très troublant et ensorcelant second album "Please Come To Me". Devi Mambouka aka Masma Dream World par ses parents est multi ethnique et culturel ce qui se ressent et apporte à sa musique une aura très particulière. Essentielle. Passée par le Gabon elle a également vécu vers Singapour, patrie de sa mère, pour finalement finir de grandir à New York . Éduquée sous l' influence catholique, reste de la colonisation du Gabon et de son passage en école privée américaine, l' artiste multidisciplinaire s' est aussi confrontée à la spiritualité Hindou. Fatalement sa musique est fortement imprégnée de religiosité, de mysticismes d' époques lointaines et aux origines géographiques multiples. L' assemblage de toutes ces héritages culturels apporte la principale caractéristique de son dernier disque. Tout au long de "Please Come To Me" l' auditeur est transporté dans un univers surnaturel qu'il peinera à identifier si il lui prend l' envie de prendre du recul afin d' observer de haut pour se protéger. Surtout Mambouka nous rappelle à quel point thérapie, l' un de ses sujets de prédilection, et spiritualité furent mêlées avant que l' art de soigner deviennent une science rigoureuse sous l' influence occidentale. Avec elle pas de médicaments issus de laboratoires, pas de blouses immaculées, de protocoles savants et de lieux aseptisées aux lumières blanches . Elle nous transporte dans l' ambiance claustrophobique et sauvage des forêts du Midwest. Lieu de l' enregistrement du disque. Et bien sûr par une nuit à la fois paisible et inquiétante. Dans la besace de l' artiste d' avant garde nous trouvons des enregistrements de terrains, des extraits de conférences spirituels accumulés par sa mère, toute une palette d' instruments multiples tel des percussions et évidemment, époque et volonté d' innover oblige, le matériel numérique nécessaire permettant la mise en place de drones glaçants et la transformation sonore. A cela il faut ajouter peut être l' élément le plus ancestral dans l' art de guérir et de créer de la musique, la voix. Mambouka en passe par toutes les variations possibles. Du chant grégoriens aux cris et incantations provenant de toutes les époques sans oublier ses souvenirs bien plus récents R'n'B captés à New York. Avec elle tout le pouvoir de guérison et de transformation des âmes et du corps par la voix nous apparaît au grand jour comme finalement il est rare en musique. Il faut par exemple se souvenir des chants de gorge inuits croisés chez Bjork. Souvent elle dissout les rythmes pour encore mieux épaissir l' ambiance en laissant le premier rôle aux chants hantés, à des carillons ritualisés et des loops brumeux et d' une étrangeté inexplicable. Si ce disque peut intimider l' auditeur se doit d' oublier ses craintes, de faire confiance à notre héritage mondial et à l' art de Mambouka, afin de vivre une expérience sonore rare et intense. Il va très vite lâcher prise avec le fatalisme technologique et scientifique contemporain qui nous ronge tous pour être capturé par une multiplicité de mondes tentaculaires d' où il en ressortira transformé et même ...peut être... guéri.

Ils nous étaient apparus au milieu du raz de marée Post Punk fin 10's début 20's et immédiatement ils devinrent par leur singularité Arty et Post Rock une bouée d' originalité au milieu d' un océan qui est devenu aussi ennuyeux qu' une mer morte. En 2025, alors que de jeunes pouces tel Still House Corner ou des confirmés comme Moin n' en finissent pas de redéfinir les guitares jusqu' à faire tomber les masques un brin conventionnel d' un certain Post Punk, Squid évolue de la plus bel des manières et finit par emporter la mise. Commençons déjà par tordre le cou à une idée reçue provenant de la fainéantise de la critique musicale. Squid étaient-il réellement, profondément Post Punk? Oui et non. Tout dépend de quel Post Rock parle-t-on. Oui si on a en tête le Post Punk des origines. Ils n' ont pas hésité à aller voir ailleurs jusqu' à en passer par des genres souvent jugés chez les neuneus bas du front comme chiantissimes. Jazz, Krautrock, Prog et des senteurs assumées solidement arty. Non à l' égard de leurs contemporains. Parce que justement la diversité de leurs influences était bien plus riches et iconoclastes que celles de leurs congénères de cette vague que l'on a pu appelé Post Punk Revival. Les fans de The Murder Capital, Fontaines D.C., Shame, Dry Cleaning ou encore ceux des affreux Idles vont très certainement, les yeux perdus dans leur bière devenue trop chaude et dégueulasse à la longue, restés perplexes si ce n' est totalement réfractaires à la découverte du complexe "Cowards". Avec "Cowards" les Squid confirment tous les espoirs placés en eux en terme d' audace et d' expérimentation. Pour les avoir vu sur scène en 2023 je m' étais convaincu que la porte de sortie à ce Post Punk décrit plus haut à la palette trop succincte d' influences passait par eux plus que par leurs géniaux amis de la Windmill Scene. Les Black Midi commençaient déjà à montrer des signes de fatigue préfigurant la séparation de l' an dernier quand les Black Country New Road entamait une longue convalescence post perte de leur chanteur qui aura duré plus de trois ans (album prévu en Avril). "Cowards" montre effectivement un groupe qui s' est encore plus ouvert au monde et aux courants musicaux éloignés suite à ses tournées et collaborations. Mais surtout, et peut être là est l' origine de la réussite, ils ont osés prendre encore plus de distance avec le mot Punk du terme Post Punk. Des titres comme "Fieldworks I", "Fieldworks II" ou "Cowards" ne comportent quasiment pas de guitares saturées et en appelle bien plus à votre réflexion qu' à vos pulsions et frustrations. L' aspect Post Rock historique est encore plus marqué et cette fois-ci on peut vraiment parler d' une version de Talk Talk sous amphétes et est devenue définitivement dystopique. Squid innove dans l' héritage Post Rock en osant des réminiscences Baroques rarement croisées si ce n' est quand une hybridation du Folk avec le Math Rock vous cueille sans crier gare. Si les compositions d' une maîtrise totale et d' un courage à toute épreuve semblent sophistiquées et lapidaires, plus que par le passé, les textures se révèlent disloquées et possèdent une complexité elle aussi absente sur leurs deux premiers albums. En parlant d' une version profondément dystopique du Post Rock Squid a toujours porté sur notre époque un regard assez pessimiste au travers de ses compositions flirtant avec le chaos et le chant flippé d' Ollie Judge. Leur troisième album confirme et renforce la tendance quand par sa voix Judge augure de l' apocalypse prochaine. Il est beaucoup question de peurs, de meurtre et d' occultisme. Le constat fait par Squid est terrible et peut les rapprocher des oiseaux de mauvais augures Radiohead à l' aube du 21ème siècle. En évoquant Radiohead on peut aussi affirmer que les comparaisons musicales au groupe d' Oxford apparaissent dorénavant puériles si ce n' est mensongères quand il est question de Squid. Bien sûr l' aspect Prog Rock est commun mais Squid ne semble pas autant s' y attarder comme le fit la bande à Tom Yorke. Les Squid font plus que confirmer et évacuent définitivement les critiques et les craintes apparues à la sortie du précédent. "Cowards" est un très grand disque et pour être franchement honnête je n'y croyais qu' à moitié devant le spectacle de la presse avide de hype Post Punk se ruant sur eux dès les premiers singles pour ensuite les délaisser aussi vite face à des albums refusant la facilité adoptés par le contingent de suiveurs.

Son précédent "Marked" à peine digéré, la grande Klein nous assène avec "Thirteen Sense" le coup de massue définitif depuis qu' elle s' est décidée à s' emparer des guitares. Peut être l' ultime possibilité au petit monde Indie de découvrir ce génie absolu et parallèlement un important tournant dans cette carrière à nul autre pareil. A chaque sortie de Klein je suis confronté à la même difficulté. Comment bien décrire cette musique unique. Comment entraîner dans mes pas les autres vers cet univers si étrange, si envoûtant, révolutionnaire et sans compromis. Je peux toujours m' en référer à certains disques uniques en leur temps. De ces oeuvres qui ont non seulement changé la donne en la musique mais également la vision portée sur elle par bon nombres. "Thirteen Sense" m' évoque immédiatement le "Loveless" de My Bloody Valentine pour ses évidences shoegaze plus affirmées que sur le précédent et surtout parce qu' il semble aller bien plus que le courage magistrale de Kevin Shields. Mais en réalité pour bien prendre acte de l' aspect provocateur et bouleversant il faut aller vers le "Métal Machine Music" de cette canaille de Lou Reed. Comprenez un de ces disques coup de poing dont on sait réellement si il s' agit d'une grosse blague ou d' une remise à plat totale de règles de ce que l'on croyait être la musique. Depuis qu' elle martyrise les guitares pour leur bien Klein me rappelle cette vieille sensation à la fois étrange et provocante qu' il est arrivé de percevoir au spectateur de concert que je suis et qu'il m' arrive de penser être commune à d' autres. Sensation ressentie à la fin de concert plus ou moins marquant voir totalement oubliable quand les groupes finissaient leur set par des larsens. Cette étrange impression qu' un univers parallèle intriguant et sauvage se dévoilait un court instant après avoir vécu dans un monde ennuyeux et uniforme. "Thirteen Sense" délaisse le Doom Sludge appuyé de "Marked" et semble plus ouvertement assumer ses aspirations Shoegaze, Slowcore, Noise Rock et Post Rock. Voir Free Jazz. On est loin des fortes senteurs Gospel, Soul et R'n'B perçues aux débuts de sa carrière mais l' héritage de Klein reste bel et bien présents pour qui connait sa musique depuis longtemps. Des trilles Trap et certaines manières Hip Hop évoquent encore le monde qui berça la jeune artiste londonienne. Elle fait subir aux guitares et bien sûr à ce qu'on leur associe systématiquement, le Rock et ses dérivés, les même mutations qu' à ses styles de prédilection à grand coup de manipulations électroniques expérimentales et par ses talents gigantesques en Sound Collage. Les guitares en ressortent encore plus indomptables, survoltées et exubérantes que sur "Marked". Si au début du disque l' agressivité provient du Métal et du ressenti éprouvé par l' outrance et la démagogie agressives du Rock de Stade, comme par exemple la batterie qui en fait des tonnes sur "Nobody Sees What The Tree Knows", la suite va plus évoquer l' Ambiant et ses drones puis certains souvenirs plus Dark. Son passage aux guitares ayant définitivement abandonné les us et coutumes Rocks, le pourquoi on peut réellement et sérieusement parler d' une nouvelle version du Post Rock, Klein semble avoir enrichi cette musique en complexité et en strates. A moins bien sûr qu' elle l' a toujours été, ce que je pense, et que cette sensation dépend de l' auditeur par ses affinités et habitudes en matière de guitare et de genre musicaux. On ne perçoit les plus infimes variations des choses que lorsque on les connait et maîtrise assez solidement. Bien sûr que la découverte de Klein va en refroidir plus d' un mais je peux les assurer que la persévérance va leur faire revivre certains instants suspendus hors de notre monde de merde et du temps qu' ils ont ont pu avoir déjà vécu sur les premiers disques de Shoegaze ou Psychédéliques voir du côté de l' IDM des Autechre et Aphex Twins. Et comme je l' écrivais au sujet de "Marked , cet musique cassant tous les codes... est TOUT. Et TOUT le reste... De la merde.

Il aura fallu attendre plus de onze ans pour enfin découvrir la suite de sa série Da Mind Of Traxman. L' immense Traxman, idole iconique absolue de ce blog depuis sa création, revient enfin sur Planet Mu et si vous ne connaissez toujours pas le bonhomme sachez juste qu' il s' agit d' une véritable légende vivante des dancefloors et du Footwork. Et si vous ne connaissez pas non plus le Footwork, je vous invite fortement, après vous avoir gentiment traité de tous les mots grossiers que je connaisse devant un tel raté, à vous rendre sur le champ ici Traxman est simplement l' un des plus grands innovateurs parmi les djs de ces trente dernières années. Cornelius Ferguson aka Traxman s' est donc enfin décidé de sortir de son ghetto du West Side de Chicago. On va enfin reparler de Footwork dans ce blog. Bien sûr qu' il en a été un peu question récemment dans DWTN avec les deux reines du genre Jlin et Jana Rush et dans une moindre mesure avec Nondi_ mais du neuf en provenance de la capital du genre ce fut très rare ces derniers mois. Voir carrément ces dernières années. Et surtout de la part de l'un des créateurs originels du courant. A Chicago Traxman est un monument du Djing Footwork. Apparu dans les 90's, Ferguson a traversé en tête de peloton les heures de gloire de la Ghetto House , provoqué le virage de la Juke puis a participé à la construction et à la mise sur orbite du Footwork aux côtés des autres légendes RP Boo, le regretté Dj Rashad et Dj Spinn. Peut être que le timing, malgré un tel laps de temps entre les deux derniers volumes de la série Da Mind Of Traxman, devient finalement parfait. Nous avons à présent le recul nécessaire pour apprécier ce disque qui se révèle être la plus parfaite des introductions à un courant qui semblait être en état stationnaire depuis quelques temps. Avec son volume 3 Traxman remet à leur place ceux qui ont osé traiter le Footwork de courant rétro. Bien sûr qu' il n' est plus tout jeune au moment où les modes et les courants se succèdent à une vitesse sidérale, mais avec ce disque Traxman prouve qu' il s' agit d' une musique absolument intemporelle et toujours porteuse d' une futurisme bien réel. Apparu avec Internet le Footwork fut bel et bien la plus parfaite des bandes originales pour accompagner l' apparition de la surcharge d' informations numérique que nous découvrions alors. Avec ses rythmes syncopés dépassant les 150 Bpm, ses samples perpétuels et ceux vocaux surréels et déstabilisants ce genre musicale illustrait parfaitement le déluge incessant de news et de fake news auquel nous sommes continuellement confronté depuis. Dans ce disque Traxman nous régale avec les traditionnelles grosses caisses ondulantes et les charlestons pointillistes via une bonne vieille Roland TR 808. C 'est l' occasion aussi de redécouvrir la maestria du bonhomme en matière de Crate Digger dans l' utilisation des samples. Si vous êtes fan de DJ Shadow dans le domaine vous allez simplement halluciner par l' art de son alter égo de Chicago. Même si une grande partie des titres proviennent des archives et ont été compilés par le déjà connu ici Sinjin Hawke, Traxman de nous bluffer par ses innovations et le lot d' idées nouvelles à exploitables dans l' avenir. Il n' a jamais cessé d' expérimenter et a toujours fait preuve d' une sacrée ouverture d' esprit en matière de musique à sampler. Dans le dernier on va non seulement retrouver des pépites Soul, Hip Hop, Funk et Dancehall revenues de loin mais aussi certaines en provenance d' autres univers tel le titre phare éponyme de LFO. La patte Traxman reste inchangée avec son art tant personnel de nous offrir un Footwork à la fois flottant et nerveux si ce n' est absolument percutant et contagieux par ses aspects Pop. En 2014 Traxman nous offrait déjà probablement la version la plus accessible aux non habitués du genre. En 2025 c' est avec de véritables Bangers qu' il prouve que le Footwork en a encore sous le pied. Et quand il se décide à réutiliser les cordes douces issues de la tradition Soul le lien si évident entre la House à la Frankie Knuckles et son fils illégitime le Footwork apparaît au grand jour. Des trois volumes le dernier se révèle être le plus apte à attirer les novices avec ses passages Ghetto House plus introduits dans les courants dominants et les habitudes des dancefloor. Bref... une véritable bombe sur les Dancefloor lâchée par un vétéran.

Cela faisait bientôt cinq ans que l' américaine Kathryn Mohr expérimentait toute seule dans son coin et nous délivrait des perles d' Avant Folk souvent passées inaperçues. Avec son troisième album "Waiting Room" Mohr commence à sérieusement faire parler d' elle et tutoie le somptueux. Kathryn Mohr a délaissé ses bien tristes Etats Unis natals pour s' expatrier un temps en Islande. On peut franchement la comprendre vu le contexte actuel et ce désir d'' isolement sur cette île lointaine à la densité de population parmi les plus du monde en apparence étonnant se révèle plus qu' approprié. De son séjour dans la patrie de la reine mère Bjork la chanteuse nous envoie sous forme de carte postale ce "Waiting Room" enregistré dans une usine d' emballage de poisson devenue lieu de résidence pour artiste. Ecouter "Waiting Room" c' est plonger dans un véritable univers en soi. Un univers à l' image des paysages rugueux et isolés de l' agitation humaine. Comme il n' y a jamais de hasard en musique ce disque peut immédiatement être identifié comme le petit frère d' un autre paru il y a quelques semaines, le terrifiant "Perverts" d' Ethel Cain ( ici ). Ne vous attendez donc pas à une musique joyeuse et festive, à un album alignant gentiment des chansons aux structures classiques. Dans la droite ligne de Cain Kathryn Mohr opte pour une oeuvre fortement cinématographique sans compromis. Vous trouverez certes biens plus de chansons assez structurées que chez Cain mais Mohr les habille d' une enveloppe Ambient qui renouvelle les genres abordés. Elle incorpore à son songwritting des atmosphères sonores qui l' emportent souvent tout en servant de respiration. Cette façon de faire renouvelle l' approche et les manières conformistes de faire tant rencontrées ces derniers d' une certaine Indie Music fortement influencée par les 90's. Mohr se singularise ainsi par rapport au troupeau de formations et d' artistes rétrogaga récitant le leçons du passé sans réellement chercher à y apporter un petit peu de rafraîchissement. Probablement plus abordable et charmeur que "Perverts" ce "Waiting Room" évoque lui aussi l' univers sonore du "Erashead" de Lynch. C 'est Dark et pas franchement porteur d' un fol espoir mais tellement plus proche de nos vécus. Certains ont même évoqué une Jessica Pratt arrachée à ses 60's californiennes pour être larguée dans une friche industrielle islandaise en pleine nuit. Le falsetto délicat de Mohr offre un contraste saisissant et ensorcelant à une production dystopique et sinistre. La réverbération, les delays et des synthétiseurs léthargiques couvrent des compositions minimalistes d' un voile surréaliste. Parfois les basses délivrent de véritables drones susceptibles d' éclipser tout le reste. Mohr affirme bien plus ses penchants 90's qu' Ethel Cain et ne vous étonnez pas de croiser les spectres de Liz Phair, Cat Power ou PJ Harvey. Encore une fois Liz Harris aka Grouper est à évoquer et confirme son statut d' influence majeur sur la nouvelle génération tout comme Julianna Barwick. Ces influences se succèdent mais à la différence des rétro gaga Mohr par sa personnalité, les thèmes abordés et son parti pris Ambient offre un liant évitant la simple redite. Serait-ce un rêve de sensibilité ou un cauchemar de solitude que nous offre Kathryn Mohr? On hésite et quand la réponse la plus douce semble évidente la musicienne scie la branche sur laquelle vous pensiez pouvoir échapper à de bien tristes vérités et sensations croisées dans notre quotidien. Une véritable pépites sonores.

Au regard de ce blog la carrière de Benjamin Booker avait fort mal commencé. Adepte d' un Blues Rock sans grand intérêt, malgré un bon savoir faire en matière de texte et d' une sensibilité particulière, le virginien était une caricature Rétro Gaga quand les médias Indie s' intéressèrent à lui au mi temps des 10's. Puis, très vite, oublié. Le bonhomme nous revient 8 ans après et le moins que l'on puisse dire c' est qu' il tape très fort. Englué dans un vintage mille fois entendu depuis le grand Revival Rock du début 00's on ne misait pas un Kopeck sur Booker. C 'est donc après une pause qui se révèle plus que bénéfique qu' il a enfin décidé d' effectuer un retour assez tonitruant. Pour cela il n' a pas hésité à effectué un vraie et très forte remise en question. Abandon de ses influences Blues Rock trop fortes et dans ce but opérer un choix audacieux en matière de producteur. C' est donc accompagné du producteur Hip Hop expérimental Kenny Segal que l' américain s' est remis au travail et a pu enfin trouver le son qu' il explique avoir chercher un certain temps. Si Segal lui a apporté les astuces d' un art Hip Hop fortement aventureux Booker a quant à lui été voir ailleurs. Certes il ne fait pas preuve d' une folle originalité en regard des artistes défendus dans ce blog tant les influences sont mille fois cités par ici mais il le fait d' une manière très personnelle et efficace. Noise Pop, Shoegaze, Glitch, Dream Pop, des modes opératoires très Ambient et de fortes senteurs Tri Hop. On commence à connaître la recette ces derniers mois mais faut-il encore posséder une sacrée personnalité et assez d' originalité pour toucher au but. Ce troisième album intitulé "Lower" se révèle être l' accouplement parfait d' une très riche diversité d' influences. A celles citées plus haut il est à rajouter une sensibilité très Soul débarrassée des tics Blues Vintage à l' image de la douceur de sa voix qui accompagne assez singulièrement avec succès l' aspect râpeux des fuzz qu' il adore utiliser. Le premier titre "Black Opps" en est l' exemple parfait avec ce nuage Shoegazien boosté par un Beat robuste chaperonnant une voix fragile et suave à souhait. Richesse et diversité encore en matière d' instrumentation puisqu' il n' hésite pas à sortir des carcans stylistiques en ajoutant à une très classique (guitare acoustique) l' électronique et l' échantillonnage via notamment par le goût prononcé de l' interférence sonore. Sur ce dernier sujet on peut constater ces derniers mois que la méthode de l' interférence sonore devient fréquente chez des artistes parfois très éloignés et adorés par ici. Que ce soit du côté du Brésil avec Dj K et son Bruxeria Funk, Dj Anderson Do Paraiso avec son Baile Funk, ou la relecture Psychédélique du Soukous Congolais par Ale Hop & Titi Barkola. Ajouter influences sur influences ne suffit pas et peut être l' une des plus grandes qualités de Booker expliquant la réussite de cet album qui brille également par la diversité des titres est son grand talent sans bornes en matière de songwritting Pop. Les moments d' accalmie succèdent à d' autres plus rentre dedans sans que le niveau d' intensité et d' émotion ne baisse. Le couplet qui charme immédiatement, le refrain tueur terriblement accrocheur pas prêt de sortir de votre tête, il maîtrise la palette Pop à la perfection ce qui très rare de nos jours surtout côté Outre Atlantique. Une Pop Indie qui parfois évoque Grandaddy ou Sparklehorse tout en se drapant d' une toge cinématographique. Quoi de plus de normal pour un artiste qui avoue s' être fortement inspiré du réalisateur Jean Pierre Melville comme le trahit le noir et blanc de ses clips. Booker se demande tout au long des 11 titres de "Lower" comment fait-on pour réussir à vivre dans un tel monde de merde. Sans être donneur de leçon et avec une certaine délicatesse sous entend la réponse évidente. Continuer à aller de l' avant et à l' instar de sa musique, ne pas avoir peur d' évoluer et de se remettre en question.

Le Top 2024 de DWTN a confirmé que les guitares revenaient aux sommets si elles étaient placées entre de bonnes mains. Quand la nosltagie laissait enfin à la place à l' expérimentation. En ce début 2025 un album le prouve une nouvelle fois. Et comme il n' y a jamais de hasard la bonne nouvelle provient de l'un de mes labels préférés et entérine le fait qu' il faut cesser avec les sales vieilles habitudes égocentriques occidentales. La péruvienne Alejandra Cárdenas aka Ale Hop est reconnue pour ses expérimentation électro-acoustiques en partant de la tradition musicale de son pays. Et en matière d' hybridation, de mélange des cultures et d' expérimentations réussies si il existe une très bonne adresse on ne la connait que trop depuis longtemps dans ce blog. Pour ça faut toujours surveiller de près le laboratoire Ougandais Nyege Nyege et son petit frère Hakuna Kulala. Par le biais d' une de ces résidences à Kampala dont Nyege Nyege a le secret, Ale Hop a travaillé avec le guitariste congolaise Titi Bakorta. Le fruit de cette collaboration est une merveille de remise à jour de la tradition musicale. Quiconque s' intéresse à la musique africaine ou est amené à la croiser connait le Soukous. Et parfois sans même le savoir. Le bon vieux Soukous congolais qui a conquis l' Afrique depuis 40 ans est dès ses origines lui aussi le fruit d' un étrange croisement culturel. Les musiciens congolais s' étaient imprégnés dans les années 30 de la Rumba Cubaine diffusée par le colon d' alors sur les ondes de la radio Congo Belge. Plus tard dans les 60's les congolais ont rendu les rythmes de la Rumba Congolaise encore plus entraînants en accélérant le rythme et étendirent les structures des chansons par des improvisations virtuoses des guitaristes qui développaient des motifs très complexes. Titi Barkota est l'un des héritiers de cette tradition. L' écouter jouer pourrait facilement vous amener à trouver le jeu de célèbres tricoteurs de cordes occidentaux tel un Johnny Marr des Smiths assez gauche si ce n' est infantile. Barkota et les siens sont de véritables virtuoses. Fruit de leur collaboration "Mapambazuko" est donc une véritable remise à jour d'un vieux style. Pour faire court Titi Bakorta joue et Ale Hop propulse sa musique dans un univers paradoxale. Les rythmes anguleux et joyeux de l' un sont télescopés par le goût pour l' hallucination et l' expérimentation de l' autre. Le Soukous si euphorique et attendu dans un certain sens est d' un seul coup imprégné de chaos et d' impondérables. La joie rencontre l' étrange et le psychédélisme. Les samples aux origines multiples (synthés, enregistrements) d' Ale Hope et semblant discordants apporte ce surnaturel Sud Américains que l'on a déjà croisé autrefois chez Elysia Crampton ( là ) et plus récemment du côté du Baile Funk de Dj Anderson Do Paraiso ( ici ) et du Bruxeria Sound de Dj K. La production de Hope renforce la guitare de Bakorta à un tel degré que l' on peut évoquer le terme de Maximalism. Aux six titres originaux présentés sont rajoutés trois remix assez inégaux. Si celui d' Ale Hope n' apporte pas grand chose ceux de la déjà vue ici Flora Yin-Wong et du très intriguant artiste Kényan KMRU rajoute à la proposition novatrice en passant par les cases Deconstructed Club et Ambient. P.S. sous forme de petit coup de gueule. Dans leur dernier numéro il est enfin fait mention de Nyege Nyege et de l' Ouganda chez les Inrocks ( ici ). Mieux vaut tard que jamais mais ma joie fut de courte durée. Si l' article est plus que pertinent et nécessaire en abordant ce que la communauté LGBTQueer et le Nyege Nyege Festival doivent affronter en terme de discriminations et d' homophobie il reste un âpre arrière goût après l' avoir lu. Les Inrocks, même si je sais qu' ils n'ont plus rien à voir avec ceux de ma jeunesse, se présentent toujours comme un magazine culturel très axé sur la musique. Mais seulement voilà. Pas une seule chronique portant sur des sorties Nyege Nyege ou Hakuna Kulala au cours de ces dernières années et les voilà qui aborde le sujet Nyege Nyege que sous le prisme sociétal de l' Homophobie sans qu' il soit une seule fois fait mention auparavant artistiquement des deux labels parmi les plus avant gardistes et passionnants musicalement (leur domaine pourtant). Il me revient à l' esprit bien des extraits d' interviews ou des citations des artistes africains qui justement parlaient de cette approche typiquement occidentale. On va parler de l' Afrique que sous le prisme de ce qui ne va pas, abordant toujours les aspects les plus tristes et sombres en suggérant volontairement ou pas ce triste "retard" servant d' excuses aux visions colonialistes de toutes époques. Et ce sans jamais s' intéresser à ce que l' Afrique crée ou produit de passionnant. Ou alors avec toujours un certain retard si ce n' est indirectement quand par exemple une célébrité mondiale convoque un artiste de là-bas pour un de ses disque. Je concède que peut être il s' agit d' une "maladresse" et que cette maladresse des Inrocks provient d'une certaine forme d' ignorance, et finalement d' un manque de curiosité ou de flaire journalistique (ce qui est déjà une sacrée faute pour eux dans un sens si on se réfère à ça ce qui prouve au moins que d' autres avaient fait le job) mais avouons qu' à l' heure du net de 2025 et de certains combats certaines lacunes et approches journalistiques occidentales sont toujours de mises et ce, partout, même dans la presse jugée progressiste.

Dans le Top annuel 2024 au sujet des géniaux Still House Plants et de leur relecture moderniste du Post Rock jazzy des origines (Talk Talk, Tortoise) j' expliquai à quel point leur démarche était salvatrice pour ce courant après des années monopolisées par les suiveurs de la deuxième vague Post Rock plus proche du versant Noise. Le groupe légendaire cité pour illustrer la deuxième tendance Post Rock était Mogwai. Ma relation avec Mogwai a toujours été des plus complexes. Entre émerveillement avec le sentiment de s' être trouvé des copains dans leur vision de guitares expérimentales sans compromis à leurs débuts puis, progressivement, une amère sensation de lassitude accompagnant leurs sortie discographiques. 2025 voit Mogwai revenir avec ce qui n' est que leur onzième album en 30 ans de carrière. Un ratio faible en comparaison à d' autres groupes vétérans mais à prendre avec le recule tant le groupe resta toujours très actifs en matière de Bande Originale et de Ep. Le récent "The Bad Fire" apparaît donc comme l' occasion d' écrire enfin sur ce qui est devenu au fil des années une véritable formation culte . Mogwai est apparu à la fin des 90's et comme je l' écrivais plus haut les écossais appartiennent à ce que l'on peut considérer comme la deuxième vague Post Rock. Avec eux les Sigur Ros, Godspeed You Black Emperor ou Explosions In The Sky mettaient l' accent sur les crescendos amenant vers un Post Rock plus épique et parfois plus Pop dans sa sensibilité. Les guitares s' inspiraient fortement du Noise Rock et du Shoegaze. Ce dernier qui avait eu à subir les quolibets de la presse anglaise alors en pleine masturbation réac et égocentrée Britpop obtenait avec son dérivé Post Rock une petite vengeance. Immédiatement, avec leur petit côté rebelle écossais à l' humour dévastateur, ces éternels emmerdeurs des certitudes et de l' arrogance anglaise, les Mogwai furent perçus comme les pourfendeurs d'une Britpop pas vraiment aventureuse et devenue très vite médiocre comme l' illustra le célèbre épisode du T-Shirt "Blur: are Shit". Leurs crescendos partis d' ambiances calmes et mélancoliques accédaient à d' autres assez apocalyptiques. Leur musique servait ainsi de palliatifs aux orphelins du Shoegaze qui bien souvent, par goût prononcé pour les textures sonores, l' expérimentation et des structures de chansons non conventionnelles, avaient eux aussi opté pour la vision instrumentale du Post Rock au détriment des velléités Pop et simplistes de la Britpop. Pendant un petit peu plus de dix ans les Mogwai étaient devenus les cadors du courant au même titre que les groupes cités plus haut. J' ai eu maintes fois l' occasion de les voir en concert. A chaque fois ce fut une expérience intense et jubilatoire. Chaque album enfonçaient le clou tellement ce groupe maintenait un très haut niveau et continuait de captiver par leur identité très forte. Mais après leur 6 ème album "Beat" de 2006 la saturation commença à s' emparer de moi. Les albums suivants semblaient se répéter malgré l' introduction de plus en plus affirmée de l' électronique. La surprise s' estompa et le niveau général sans tomber très bas semblait franchement plafonner. Mogwai était alors sauvé par certains moments de gloire comme par exemple pour leur bande originale pour le documentaire "Zidane : A 21 St Century Portrait" qui avait surtout l' intérêt de porter un éclairage plus grand publique sur ce courant jugé plutot difficile. A chaque sortie cette impression de redite prenait le dessus malgré le fait qu' ils continuaient à vouloir évoluer. Peut être trop lentement. Mogwai a toujours suivi son petit bonhomme de chemin malgré les modes et les changements. Mais à sa faible allure quand parfois ça s' accélérait à côté et que certains fans d' origines prenaient poliment leurs distances tout en continuant de leur vouer un culte . Au fil des années Mogwai devint une sorte de The Fall version Post Rock comme avait été autrefois la formation de Mark E Smith. Un groupe intouchable à toujours citer comme référence absolue même si on écoutait de moins en moins leurs dernières sortis. Et puis au moment où ne s'y attendait plus trop un petit regain de forme et surtout de renouveau artistique apparu avec à la suite une surréelle reconnaissance grand publique. Sorti après la pandémie "As The Love Continues" produit par Dave Fridmann était marqué par un regain de forme et surtout une ouverture plus visible à des influences extérieurs bien mieux assimilées. La musique de Mogwai probablement en lien avec le contexte COVID semblait alors recoller à son époque comme à ses débuts. Ce n' était plus une capsule fin 90's début 00's déconnectée comme les précédents l' étaient devenus. Personnellement même si je fus agréablement surpris je considérai cet album comme une de ces petites réussites que l'on oublie très vite. J' étais passé à autre chose et si je devais les réécouter c' était bien sûr leurs classiques "Mogwai Young Team" et "Rock Action" qui me venaient à l' esprit. Mais ce qui marqua plus mon esprit et d' autres ce fut l' accueil de ce disque. Classé numéro 1 dans les charts Britanniques à sa sortie et nominé au Mercury Prize ce disque marquait le triomphe tardif d' une formation devenue légendaire qui avait eut son pic créatif 20 ans plus tôt. Un peu comme ces acteurs qui reçoive leur Oscar ou César d' honneur pour l' ensemble de leur carrière alors que la profession et le grand publique les avait ignoré et jamais mis sur le socle qu' ils méritaient depuis toujours. "The Bad Fire" arrive donc 4 ans après cet étrange moment de reconnaissance et de léger renouveau artistique. A leur apothéose de 2021 succéda une période trouble dans leurs vies privé. L' un des membres vit même sa fille passer à deux doigts de la mort alors le triomphe récent passa très vite au second plan. Toujours humbles les Mogwai semble avoir continuer à vouloir évoluer et ce disque est à mes yeux une preuve bien plus solide et convaincante que le précédent. L' album perpétue donc la démarche d' ouverture à une plus vaste palette d' influences mais sans que la personnalité très identifiable et forte du groupe n' en soit altérée . Les synthés paraissent avoir arrêté d' empiéter sur les plates bandes des guitares permettant ainsi à Mogwai de trouver un juste milieu. Avec leur nouveau producteur John Congleton ils ont enfin retrouvé une excellente nouvelle recette . S' appuyant sur leurs pics d' innovations artistiques d' autrefois ils les dépoussièrent leur donnant ainsi un lustre très moderne. Les titres se révèlent être bien excitants, bouleversants et euphoriques. Si écouter Mogwai en 1997 pouvait parfois s' apparenter à une introspection et, plus fortement à un dangereux repli sur soi par la suite quand ils semblaient ne plus vraiment correspondre à l' époque, en 2025 leur musique franchement plus optimiste peut aider l' auditeur à se réveiller et à retrouver des forces pour passer à l' action. Petit bémol. Sur "The Bad Fire" apparaît plus que jamais l' évidence, mais qu' au nom du respect total parfois un peu forcé dont ils leur portaient, les fans n'osaient affirmer. Les titres un brin en dessous sont les vocaux. Mogwai reste et demeure un très grand groupe d' instrumentaux et non de Pop Songs classiques. Le single "Fanzine Made Of Flesh" par exemple est certes entraînant mais on a l' étrange sensation d' écouter une version écossaise de Grandaddy. Les morceau phares sont donc les sans paroles "Pale Vegan Hip Pain", "If You Find This World" et l' inaugural "God Gets You Back" avec ses voix déformées qui passent au second plan façon Shoegaze. Le Shoegaze encore présent plus tard avec leur plus beau hommage à Saint Kevin Shields (My Bloody Valentine), "18 Volcanoes". Mais ne boudons pas notre plaisir. Mogwai vient simplement de sortir son meilleur album depuis 19 ans. Et rien que ça c' est l'une des meilleurs nouvelles.

Jeudi 16 Janvier dans la soirée. Un bruit sourd à l'origine inconnu associé à d' autres sons évoquant l' électricité perturbent mes sens. L' ambiance est lourde. Pesante. Des voix étouffées laissent parfois la place à une autre voix. Une voix spectrale qui me berce pour mieux m' entraîne vers les tréfonds de l' âme humaine. Quelque chose ne tourne pas rond et un drame est à redouter. La sensation est très forte d' autant que certains sons exhument en moi d' autres très similaires sans que mon vieux cerveau ne trouve ni l' origine ni la nature de ces derniers. Par réflexe inepte je regarde mon fil twitter. Tout y est pitoyable. Flippant. Grotesque. Pathétique et dramatique. Puis de nouvelles notifications apparaissent. Toutes proviennent de sites américains et traitent du même sujet. David Lynch est mort. Parfois le hasard réserve bien des surprises auxquelles on ne peut s' empêcher de répondre par des interprétations aventureuses. Le lien que ma mémoire défaillante s' obstinait à contourner venait de gicler enfin grâce à une bien triste nouvelle. L' un des artistes les plus passionnants de ces quarante dernières années venait de casser sa pipe et le choc personnel comme celui provenant des réseaux sociaux fut l' un des plus puissants depuis la mort de Bowie. Fatalement dans ces moments rares et intenses on ressort la phrase : "Je me rappellerai toujours ce que je faisais à ce moment-là". Pour Lynch ce sera "J' écoutais Ethel Cain". Et rarement dans pareille occasion les choses ne pouvaient pas tomber... mieux! Les sons entendus sur l' album de Cain. Cette ambiance sombre et pesante... Eraserhead. Hayden Silas Anhedönica aka Ethel Cain avait fait surface dans mon univers personnel fin 2022 à l' un des pires moments de mon existence. Un certain sens du timing la Ethel. Il fallait bien continuer à vivre donc... Continuer à écouter. Dans ce but je m' étais contenté exceptionnellement au vue de mon contexte à aller voir les top annuels des sites musicaux. Comme d' autres s' accroche à la première bouée venue. Le nom alors inconnu d' Ethel Cain trustait les premières places. Ma découverte de son single "American Teenager" me laissa sur ma faim même si j' avouais en moi même qu'il s' agissait d'une classique Pop Song Indie assez parfaite. Le clip l' accompagnant possédait lui aussi son petit intérêt en comportant une certaine dose d' ironie derrière son optimiste caricature d' American way of Life. La découverte de l' album s' imposait afin d' éviter de rapidement penser qu' il ne s' agissait que d' un emballement critique sur un album pas vraiment nullissime mais certainement poussé par la quête d'une tête de gondole facile pour une scène Indie et ses médias en désespérance . "Preacher's Daughter" se révélait être bien plus complexe qu' une simple succession de "tube" indie Dream Pop. Les titres s' avéraient être longs et l' ambiance pas franchement à la joie. On était bel et bien passé derrière le clinquant optimiste de l' american way of Life auquel plus personne ne croit vraiment depuis trop longtemps. Très Americana et à la fois très éthérée et gothique. Si parfois sa voix pouvait par certains tics très ricains et mainstream agacer j' ai du m' avouer qu' elle avait le don de soigner mes plaies du moment. Plus je m' enfonçais dans le disque et plus l' aspect malade et étrange de l' univers de Cain prenait le dessus. Les paroles me racontaient une sordide histoire de Serial Killer dans un bien triste pays et je ne vous parle même pas des sombres et sordides histoires de congélateur à la fin du disque. Musicalement c' était bien foutu mais pas vraiment susceptible de bouleverser un vieux de la vieille comme moi alors qu' à contrario les paroles étaient de plus en plus glauques et glaçantes. Finalement Ethel Cain n' osait pas assez l' étrangeté avec sa musique. Mais ça, , c' était juste avant le stupéfiant triptyque composé de "Ptolemaea", "August Underground" et "Televangelism". Avec ces trois titres ce que j' avais pris pour une sympathique mais gentillette futur star de l' Indie Pitchforkienne à la Lana Del Rey changea radicalement de catégorie et de division dans mon esprit. Elle osait. Son dernier disque s' appelle "Perverts" et vient tout juste de sortir. Rien que le titre de l' album suffit à prévenir. Âme sensible s' abstenir. Il va être question de la perversion et ce sous toutes ses formes. La belle Ethel grandie sous les lois rigoureuses Baptiste de son environnement du Sud des Etats Unis nous parle d' onanisme, de pédophilie, de transgression et de damnation éternel. Dès le premier morceau du disque donnant son titre à l' album c' est un cantique venu des abîmes qui vous cueille pour très vite faire place à un bruit sourd et des voix étouffées inintelligibles. Les titres y sont encore plus longs que sur le précédent. Par la suite des bruits statiques d' électricité, des pas inquiétant et des drones meubleront et perturberont vos sens. Le silence? Jamais. La sérénité? Jamais. Parfois quelque chose qui ressemble à une pop song classique surgit servant de respiration dans cette ambiance Dark mais faut-il encore ne pas trop prêter attention aux sujets abordés. L' instrumentale domine et le chant n' a droit qu' à une portion congrue. Le reste du temps on navigue entre le Slowcore, la Dark Ambient et le Spoken Word. C' est le genre de disque avec lequel l' entre deux n' existe pas. Certains vont le vénérer et s' y replonger à corps perdu quand chez d' autres l' incompréhension se mariera à l' ennui ou à la sidération négative. Ce qui semblait être encore une hypothèse sur "Preacher's Daughter se confirme. Ethel Cain se voit comme musicienne et cinéaste. Encore un point commun avec Lynch qui aura lu aussi touché à tout. Ethel Cain marque par sa capacité à maîtriser son art très casse gueule par sa nature. Elle possède ainsi un ton toujours juste, un sens aigu du rythme et sa production se révèle être très inventive et parfaite. La charge émotionnelle est gigantesque et ce disque peut jusqu' à détruire certaines de vos certitudes sur l' humain et vous même. Les paroles sont toujours flippante si ce n' est encore plus sombres et tordues sans que l' on tombe dans un délire caricatural qui en ferait trop. Les synthés bourdonnants, les bruits Industriels et les drones de guitares entra perçues sur le premier albums sont ici mis en pleine lumière. La voix de Cain prend un ton encore plus envoûtant. Ce disque nous est présenté comme un ep et non un album selon son auteur qui rajoute qu' il s' agit d' une oeuvre à part dans l' univers de son pseudo Ethel Cain et que "Preacher's Daughter" aura une suite. Peu importe ce que l' avenir nous réservera de sa part mais ce virage poursuivi vers une musique expérimentale et dans un certain sens ce refus de jouer le jeu du star system Indie musicale Pitchforkien, que tant de ses tristes congénères adoptent sans aucunes remises en question, place immédiatement Ethel Cain dans un univers bien plus haut. Entre une Grouper, un Nick Cave pour l' amour des références et biblique et une Nico pour le goût du risque expérimental. Post-Scriptum. Mardi 20 Janvier au soir. Toujours Ethel Cain dans le casque et des sensations Lynchiennes. Je pense à la chronique que je vais écrire sur "Perverts" en regardant l' investiture de Donald Trump. Je baisse le casque pour écouter son discours. Il est question d' un mur, de digressions plus stupides et hors sujet les une que les autres. Et ce devant un parterre de milliardaire (Bezos, Zuckergerg et notre Bernard Arnaud national se prenant en selfie tel un touriste ébahi devant un spectacle du Puy du Fou). Trump s' adressait non pas à des demeurés mais aux habitants malades d' un pays lui-même malade depuis toujours. Un pays qui domine encore pour un temps notre monde au nom du dieu Capitalisme. Les milliardaires en sont les idoles et Trump la triste et inévitable conséquence.   Plus  tard au cours de la soirée je verrais même un type faire un salut Nazi. Et encore une fois le monde médiatique et leurs moutons de s' offusquaient et de feindre la surprise devant ce qui n' est n' est qu'un pathétique et glaçant spectacle issu d'une logique qui ne cesse de se répéter depuis des lustres. Elon Musk, juste un héritier mégalo suprémaciste blanc qui ... quelle surprise... est né et grandi sous l' apartheid avec un père gérant de mines de diamants. Et ça aussi on le sait depuis des années. Mais quoi de plus normal. Cette nation qui, comme le rappelait Lynch grand pourfendeur de d' Hollywood et de son culte de la célébrités et du succès, est celle qui est née d' un génocide et la seule a avoir osé provoquer Hiroshima . La musique et les paroles d' Ethel Cain nous parle très bien de cette nation et des traumas si prévisibles qu' elle engendre sur sa population.

Parfois certains événements de notre temps rappellent d' autres du passé et il est très tentant et facile de tisser des liens entre deux époques différentes. Exercice plus qu' hasardeux voir même risqué parce que fait trop rapidement il peut fausser son objectif caché. Le décryptage via le passé de l' actualité pour au final tenter de voir de quoi notre avenir sera fait. Qu'est ce qui nous attend après 2013. Mon esprit malade par l' intermédiaire de la musique , j' admet aussi peut être sous l' effet des fortes chaleurs de ce mois de juillet 2013, m' a amené à succomber à cet exercice dangereux. 2013 s' est mise à ressembler tristement à 1913. Quand on sait ce qui a suivi à 1913 il y a de quoi flipper. Remarquez avant même cela, ne vous arrive-t-il pas de flipper déjà pour l'avenir? Printemps 2013, un groupe suédois sort un disque sublime que l'on peut aisément qualifier de tarabiscoté et brut de décoffrage face à la majorité des productions contemporaines écoutées par la plus part. Un morceau difficile d' accès de près de 20 minute glissé au milieu du disque en atteste. L' ambiance faite de sons modernes provenant de la technologie de 2013 mêlés et des rythmes parfois tribaux et polyrythmiques évoque une étrange confrontation entre le passé et le futur. Notre civilisation face à celles de nos lointains ancêtres. Notre société connue dite "plus évoluées" et complexe face à la leur, jugée souvent plus "grégaire" , "sauvage" et "obscure". A ce propos, pourquoi ce disque plaît autant à moi et à d' autres? D' autres disques sorti en 2013 n'ont-ils pas aussi dans leur contenu des évocations "tribales" ? Pourquoi ce fréquent retour aux sources de nos civilisations via la musique? C' est peut-être bien aussi parce que justement dans notre époque si difficile à décrypter et face à un avenir plus qu' incertain nous avons besoin de revenir à la simplicité qu' évoque le mode de vie de nos ancêtres. Le groupe dont il question est The Knife. Groupe phare depuis une dizaine d' années. Toujours au cours de ce printemps 2013 ils ont entamé une tournée à travers le monde pour promouvoir le si justement nommé "Shaking the habitual". Et le moins que l'on puisse dire, c'est qu'ils en ont bousculé des habitudes. Ils ont tout simplement foutu un sacré bordel. Leurs prestations ont provoqué moult réactions violentes, apporté l' incompréhension et jeté le trouble dans l'esprit étriqué de bon nombre. Leurs concerts ( ici ) ne ressemblaient justement pas à des concerts. Peu de musique jouée "live" et surtout un énorme travail de chorégraphie beaucoup plus proche d'une performance complexe issue de l' art contemporain et de rites païens obscures que de l' héroïsme facile et démago des prestations rock. Quelques jours après je regarde sur Arte un programme qui était très loin d' être susceptible d' évoquer le groupe suédois synth-pop à ses débuts. Et d'un coup mon cerveau fait big bang et une étonnante association par l' intermédiaire des mots voit le jour dans mon esprit à travers différents genres musicaux et leurs époques . Spectacle, musique, scandale, révolutionnaire, tribal, ethnique, rites païens, polyrythmie... 2013 égale...1913§ The Knife et ... Le Sacre du Printemps de Stravinsky!!! Cette soirée célébrait un triple anniversaire , le centenaire du théâtre des Champs Elysées et ceux d' une chorégraphie de Nijinsky et du "Sacre du printemps" d' Igor Stravinsky, oeuvres créées pour l'occasion. En regardant ces deux vidéos il n'apparaît plus aussi tordu de rapprocher l' oeuvre en son temps scandaleuse et novatrice de Stravinsky ( ici ) et le dernier Knife et la tournée qui suivi. Mais pour être encore plus complet , entre Le Sacre Du Printemps et le dernier disque des Knife bon nombres de choses dans l' histoire du rock ont évoqué la tribalité via leur rythmique. Souvent il était question d'un désir de retour aux sources guidé par la nostalgie de temps prétendus meilleurs . Une sorte d' alternative à ce que le triste présent offrait et cela entraînait régulièrement le scandale. Pour certains ces oeuvres étaient choquantes car considérées comme un exemple de régression de la civilisation. Et pourtant, à l'image du ballet de Stravinsky inspiré du folklore russe, certains retours en arrière via des emprunts aux musique tribales ou à leur imagerie jugées primitives par l' occident (amérindiennes ou africaines) se sont révéler être le terreau d' innovations sans précédents amenant une nouvelle forme de liberté artistique. N'y voyez de ma part aucunes allusions volontaires et malencontreuses entre les horreurs de Gary Glitter ( ici ) et le sujet du Sacre du Printemps qui avait lui aussi fait scandale en 1913 (rite païen consistant en un sacrifice d'une jeune fille en fleur). Ce titre de John Congo de 1971 a été repris et adapté par ...les Happy Mondays! Remarquez que Shaun Ryder et ses acolytes des Mondays s'inspirent de ce titre et ses percussions tribales de l'introduction c'est pas si étonnant que ça. Bez n' était-il pas tout simplement le chamane du village préparant un breuvage hallucinogène afin que les guerriers de la cause Madchester puissent pour effectuer leurs rites initiatiques et voyager au pays des esprits???? Et que dire de la pochette du premier Slits. Et c'est là que mon esprit tordu (ou on dira plus honnêtement ...lettré) a tissé des liens avec le vilain petit canard roi dans l' art de foutre le bordel, Sir Malcolm McLaren. Mais que vient faire le manager des Sex Pistols dans un post sur Stavinsky, The Knife et la tribalité en musique? C'est que la rouquin avait après le punk a continué son rôle de manager anarchiste-situationniste et tenta à nouveau via un autre retour aux sources du rock de changer son époque et l'industrie du disque. Mais cette fois-ci il alla encore plus loin que son époque préférée ,le rocks des 50's. Il décida de se détacher de l'influence jugée dorénavant "nocive" américaine (car trop assimilable au capitalisme) pour aller chercher encore plus profondément dans les origines. Sa démarche lui fit rencontrer le piratage et l' Afrique. Il se passionna d' abord pour ça: Et il décida de l'utiliser pour pervertir la pop mainstream et ça donna ça! Après s' être engueulé avec le fameux Adam (le titre précédent influencé par les idées de McLaren a été écrit après leur séparation), ce petit renard rouquin de McLaren garda les musiciens d' origine et décida donc de promulguer la piratage de la musique en faisant la publicité des cassettes audio vierges le permettant. Et comme il était pervers ce diable de Malcolm, il remplaça le beau Adam par tout aussi belle mineur de 14 ans(!) Annabella Lwin qu'il tenta de faire dépuceler par un des membres du groupe dans un but de cohésion pour le groupe (encore (!) un truc proche inspiré des sacrifice païens ). Heureusement sans succès je vous rassure. Je sais que McLaren peut paraître un sacré manipulateur doublé d'une belle petite ordure mais c' était aussi un sacré génie en avance sur son temps comme l'illustre ce clip. Le titre s' appelle "C30, C60,C90 go!" du nom des cassettes vierges en hommage au récent piratage qu'elles permettaient. (Pour les plus jeunes ces chiffres indiquaient leur durée). L' autre élément de la vidéo indiquant l' aspect visionnaire du bonhomme c' était la deuxième nouveauté qu'offrait la cassette. Avant, l' écoute d'un disque était réservée au foyer à cause de l' encombrement occasionné par une platine. McLaren avait compris avant beaucoup d' autres que la mobilité offerte par les cassettes allait changer à jamais le mode d' écoute de la musique et par conséquence, la façon de faire de la musique, la vendre et la musique en elle même. Quelques mois avant le walkman et près de trente ans avant le format MP3 McLaren nous avait annoncé le Ipod. Laissons de coté McLaren et finissons-en avec les rythmes tribaux. La démarche de The Knife n' est pas isolée en 2013 comme l' attestent ces trois morceaux aux fortes consonances tribales. Ce sont-ils tous passé le mot? Je ne sais pas mais une chose est sûr, les musiques qui marquent profondément le sont justement parce que souvent elle porte en elle l' air du temps qui les a vu naître et qu' également elle transcende leur époque via parfois l' emprunt aux musiques du passés. Après cette petite digression il apparaît évident et troublant qu'entre la démarche d'un Stravinsky en 1913 et celles des Knife et des autres, les liens sont plus étroits qu'il n'y parait à première vue. 2013 ressemble-t-il tant que ça à 1913, l' année précédente de ce que vous savez? Brrrrr... De là à danser autour d'un feu dans les bois dans la tenue d' Adam peinturluré de piments naturels pour repartir sur de bonne base et partir en guerre contre notre triste et oppressant monde actuel ... Alors si il y en a qui ont fait dans le tribal et que la mode New Age des rites s'est du coup rappliquée c'est bien eux !

A peine arrivé à la moitié de l' année il faut se pincer pour y croire mais l' évidence est là. 2021 est probablement déjà à classer comme une grande année pour les guitares. Après des années de rétrogaga parsemées de pépites novatrices isolées. En cet été ce sont à nouveaux deux grands disques qui vont conforter cette constatation. Le tant attendu Black Midi et enfin la surprise venue du monde électro plus habitués aux louanges de ce blog que les guitares auparavant, les Raime devenus Moin. Black Midi, retour bluffant d 'un groupe hors norme . Bien sûr par ici on avait pressenti ce regain de forme surtout présent dans le Post Post Punk depuis quelques temps mais alors que le début 2021 était marqué par un point d' arrêt si ce n'est un début d' effondrement de ce courant avec un ras le bol naissant (Idles, Shame), trois disques par leur origines stylistiques via une prise de distance du Post-Punk originel viennent de rebooster ces satanées guitares rétrogaga. Le premier album des Black Country, New Road avait annoncé ce regain de forme avec son rock plus expérimental que scolairement Post Punk mais malgré des qualités assez solides et un goût du risque absent chez les autres depuis longtemps on pouvait tout de même lui trouver des tendance un brin trop revivaliste. Parfois également quelques moments sans réel intérêt pour qui connaissait bien l' histoire. A cela il faut rajouter un sentiment fortement atténué de surprise deux ans après la détonation Black Midi qui déjà avait déjà pris de sacrées distances du tout venant Post-Post Punk un brin étriquée dans sa diversité. Black Country, New Road se faufilant derrière les Black Midi ne n' hésitant pas à faire partouzer nombre de variantes extrêmes qu' avait connu le rock après le Post-Punk. Un zeste de Math Rock par-ci sortant de la caricature dans laquelle il s' était enfermé pendant les succès des Battles et Foals avec un envahissant contingent plus ou moins inspirés de suiveurs. Un zeste de Noise Rock par-là et un goût fort pour l' expérimentation façon Talking Heads, Sonic Youth voir This Heat. Mais la tendance s' approchant d'un sursaut des guitares aventureuses et curieuses s' est bel et bien accélérée cette année coup sur coup avec l' approche maximaliste tout terrain issue d' une révolution Hardcore sans œillères de The Armed ( ici ) et le monument Art Punk brassant tout ce qui passe avec une sens rares de l' indédit en matière d' hybridation en tout genre des Squid ( là ). Il semble loin le temps où en matière de courage guitariste un brin novateur nous n' avions que le Girl Band à se mettre sous la dent. Black Midi risquait beaucoup tant ils avaient tutoyaient les sommets avec "Schlagenhaim" quite à se griller leurs ailes. Étaient-ils encore une énième version de petits rats malins de discothèque qui ont trouvé le disque oublié des autres mais incapable d' aller plus loin par exemple? Ou bien encore un de ces nombreux habiles du travestissement de style musicale capable de se déguiser en mille et une versions revivaliste des illustres ancêtres mais à peu de frais en terme de personnalité et d' originalité? Le deuxième album des Black Midi confirme leur réel talent et une solide personnalité mais surtout une volonté farouche de ne pas faire comme les autres. Bien sûr "Calvacade" provient de personnes ayant étudié avec assiduité l' histoire mais plutot que recracher les références ils les dépassent largement et confirment les espérances. En plus de leur volonté d' évoluer et changer la recette gagnante du premier album au risque de manquer de cartouches le destin s' est aussi chargé de leur glisser quelques chausses trappes qui en définitive leur aura servi de tremplin vers un nouvel inconnu. Et ça ce n'est que les plus grands groupes ou artistes qui en sont capable. Leur guitariste Matt Krasniewski-Kelvin atteint d'une maladie mentale a été obligé de prendre du recule et peut être bien que cet aléas poussa encore plus le groupe à sortir de son confort acquis par le succès. L' embauche de Kaidi Akinnibi au saxophone et de Seth Evans aux claviers fait souffler sur "Calvacade" une tornade jazzy version avant garde avec Sun Ra en guide suprême. Le Math Rock qui les avait vu grandir perd de sa prédominance au profit de l' épouvantail absolu des punk et post-punk caricaturaux, le Prog Rock. Evidemment pour quiconque connait le Post Punk originel ce n' est pas une surprise (WIre, This Heat, The Resident) mais pour certains neuneus Post Punkeux devenu tel depuis qu' ils ont vu Idles à la télé ça risque piquer ou bien et plus positivement juger à leur juste valeur des fripouilles d' Idles et consorts. Si on rajoute le confinement propice à la réflexion et au prises de recule en lieu et place des heures d' improvisation la tête dans le guidon durant les tournées avortées les Black Midi avaient tout pour ne pas pondre la redite et se sortir du piège du deuxième album. Inclassable ils le restent, voir encore plus qu' il y a deux ans. Quoiqu' ils fassent leur musique est immédiatement identifiable. Bien sûr que la voix du déjà très grand Geordie Greep jouent un rôle déterminant dans cette particularité mais pas seulement tant ce dernier osant également dans le chant de nouvelles pistes surprenantespar des variations osées . Et même quand c' est le bassiste Cameron Picton qui s' y colle le son, le fond et la forme reste du pure Black Midi. Dire que Black Midi avec leurs manières Prog-Rock poursuive le chemin entrepris par King Crimson peut être juste mais avancer qu' ils font du King Crimson s' avère complètement hors de propos. Black Midi ne ressemble à rien et si il emprunte une démarche il ne s' agit absolument pas de la technique ou du savoir faire. Même quand certains spectres intouchables et sacrés planent fortement tel celui d' un Scott Walker sur la ballade "Marlene Dietrich" et l' apothéose "Ascending Forth" il faut admettre que l'original est lointain. Ailleurs une petite particularité auquel on n' avait pas tout de suite prêté attention nous revient en pleine figure à grand coup de ferveurs gospel et d' une certaine quête de spiritualité rappelant Alice Coltrane référentiel jazzy oblige. Greep et le génial batteur Simpson ont grandi et jouer dans les églises et ça se sent comme jamais. MOIN, et RAIME se rappela ses souvenirs guitaristiques 90's. Comme je vous l' écrivais en début d' article c' est peu de le dire mais les 10's qui ont vu naître ce blog n' ont pas franchement marqué nos mémoires en matière de guitares. Peureuses, rétrogagas, bafouillantes et bedonnantes la plus part du temps. Les rares pépites novatrice étaient plus que rare et ainsi les Girl Band de tenir le rôle du héros quasi solitaire de ceux grandis pendant leur dernière grande décennie en terme de créativité, les 90's. Alors plutot que de perdre son temps à la recherche des heures glorieuse alors devenues lointaines DWTN alla voir ailleurs si l' herbe était plus fraîche et parcourir les presque 10 années de blog nous le prouve. Si il y a un label symbole des verts pâturages où il nous arriva de recroiser des guitares sur un mode original c' est bel et bien le regretté Blackest Ever Black ( ici ). Et l' une des tête de gondole de ce label passionnant fut le duo électro Dark Ambient Raime ( ici ). Raime avec son chef d' oeuvre original "Quarter Turns Over a Living Line" plongeait à la suite des Demdike Stare le Dancefloor qui les avait vu grandir dans dans un bain de sorcellerie Indus et Ambient. Pas de guitares où alors en arrière fond tant une approche Post Punk semblait transpirer de leur musique électro. Leur deuxième album "Tooth" confirma ce penchant. Mais pour vraiment rencontrer leur passion pour les guitares, les amours de jeunesse 90's des deux Raime, Joe Andrews et Tom Halstead, il fallait aller jeter une oreille sur le 1er ep de Moin en 2013. Moin ou la rencontre des deux Raime avec Valentina Magaletti sous le haut patronage d' un axe This Heat/ Steve Albini. Magaletti est une percussionniste fan de musique concrète, d' Ambient Tribale et d' improvisation en tout genre. Croisée à de multiples reprise dans ce blog quand il s' agissait de Shit & Shine, Vanishing Twin et Tomaga. Quand Tom Halstead se charge de la guitare qui est enfin la star de leur musique son compère Joe Andrews s' occupe du sampler et de l' électro. Magaletti s' occupant de l' ossature rythmique et participant grandement à l'une des caractéristique détonante de la musique de Moin. Un groove agressif et malsain susceptible de vous emporter très loin. Entre austérité et puissance. La musique que délivre cet album intitulé "Moot!" est tendue au possible et angoissante mais absolument entrainante. Les sample flippants ou agressifs rajoutent à la tension tout comme les retouches électro d' enregistrements live du duo Halstead/Magaletti. En terme d' influences pouvant aguicher le fan de rock indie 90's des évidences sautent aux oreilles. 30 ans après "Spiderland" le poids des Slint est encore gigantesque sur ce qui se fait d' interessant et un brin moderne en guitare. Ils sont omniprésent sur "Moot!". On rajoute évidemment Steve Albini, Shellac, Fugazi etc etc. Ce post-punk version 90's naviguant entre post-Hardcore, Post Rock et Math-Rock. Avec leur copine également présente derrière Raime les deux gars assument totalement leur parti pris sans aucuns compromis ni faiblesses. Dans le monde électro ils passaient déjà comme des gens à part alors leur choix d' influence par une certaine radicalité ne souffre d' aucun illogisme. Si ils nous offrent une autre porte de sortie que Black Midi et compagnie on peut constater qu' elle est particulièrement complémentaire et peut même avoir une influence prochaine sur la clique poussant fortement derrière les Black Midi. Moin réussit un tour de force par une prise risque que les groupes précédemment cités ont sagement évité. Moin s' empare d' un courant stylistique très précis et appartenant à une époque elle aussi très concise sans tenter l' hybritation d' une palette plus large. Evidemment c' est leur culture électro/dancefloor particulièrement large et sans frontière qui leur donne les capacités d' innover sans s' enfermer dans le pastiche. CONCLUSION Que ce soit avec le dernier Black Midi ou l' échappée "Moot!" des Raime on peut sans prendre de risque qu' en cette année 2021 les guitares ont soldiement repris goût à l' aventure et à un certain sens de l' innovation ou du moins du changement. Gageons que ce ne soit pas un feu de paille emporté à nouveau par une tempête Rétrogaga stérile comme l' industrie musicale nous a malheureusement habitué depuis les années 2000.