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Aujourd' hui je suis de bonne humeur alors je vais gentiment flatter le passéiste qui sommeille en nous tous. Profitez! Ça ne durera pas. Je vous avais déjà parlé de Boy Hasher il y a plus d' un an (voir ici) et mis en avant dans les classements de fin d' année. Ces rejetons de la Minimal Wave apparue vers la moitié des 00's n' en finissent pas de se faire remarquer de plus en plus ces deux dernières années. Leur sage mais talentueuse relecture d' une EBM pop aux fortes senteurs gothiques avait réussi à charmer même les plus anti Rétro tel votre serviteur. Après le ep "Country Girl" qui regroupait pas mal de titres sortis auparavant en single il était temps de passer au gros œuvre. "Careful" réédite le petit miracle des disques précédents. Comprenez nous offrir une faille spatio temporelle suffisamment surprenante pour ne pas tomber dans la redite facile. Nous nous retrouvons une nouvelle fois happé par ces titres darkwave parfaits pour accompagner vos retours de soirée en voitures dans les matins blafards de nos villes ou de nos campagnes. En 10 titres ils ne font que nous parler d' amour mais sans les gants. L' amour est peut être la plus belle chose du monde en apparence mais ici on est pas chez les bisounours et l' amour révèle ce qu' il peut provoquer comme blessures, trahisons et violences. Cet amour qui en un claquement de doigts vous fait passer d'une jouissive fuite en avant à deux vers le rejet, la défection et enfin un encore plus lourd isolement qu' avant la rencontre. Les amoureux du gothique ne se referont pas. Sous leurs apparences froides musicale ou vestimentaires ce sont d' indécrottables romantiques. Mais qu' est ce qui fait que Boy Harsher a un petit supplément les éloignant du troupeau des revivalistes? A vrai dire je ne sais pas vraiment. Si ce n' est un petit côté Lynchien dont leurs illustres aînés était dénués. Les romans anglais 19ème siècle comme influence sont ici abandonnés au profit de l' univers de Lost Highway. Il se dégage de leur EBM franchement pop un sentiment de glamour que l'on a pu autrefois retrouver chez Chromatics et les intermèdes instrumentaux très cinéphiles évoqueront l' art ambiant pop des HTRK. Ce n' est pas tape à l' œil. Vous n' y trouverez pas de tube dantesque pour festivals estivales. Mieux. En se réappropriant le passé d' une certaine synth-pop à succès facilement identifiable (Depeche Mode, Tears For Fears) ils font preuve d' un certain vice moderniste déjà croisé chez le géant John Maus. Si une chose est sûr c' est que les Boy Harsher consolide un art jusqu' ici charmeur et se hisse en tête du peloton des nostalgico-gaga à la frontière si peu foulée séparant le passéisme du présent.

Il s' est à présent écoulé plus de dix années depuis l' âge d' or de Deerhunter. Comprenez une période entamée avec le doublon "Microcastle/Weird Era Continued" et clôturée par "Halcyon Digest" (classé 81ème dans le top de la décénie par ici) . Même si les disques sortis durant les 10's sont de très loin à ne pas jeter il faut reconnaître qu' il semble que la clique à Bradford Cox venait bel et bien de vivre son âge d' or discographique. Ce qui faisait le charme de Deerhunter persistait, cette grande capacité à ne jamais se satisfaire de la redite en cherchant sans arrêt le renouvellement et l' expérimentation. Même si cette dernière n' avait évidemment que peu de chose à voir avec celles plus audacieuses dans d' autres styles et courants à l' époque. Deerhunter malgré l'immense talent et la forte personnalité de son leader n' évita pas les travers isolationistes et revivalistes de l'indie rock d' alors et d' aujourd' hui. Dans cette quête maladroite et peu révolutionnaire on vit donc Cox oublier la délicate Dream Pop et le discret shoegaze de ses débuts pour tâter du Garage-rock sur "Monomania". Leur disque le moins convainquant par une certaine logique évidente (cf le Garage-rock bien sûr). "Fading Frontier" avait dévoilé les Deerhunter oublier leur sortie de route Garage pour s' habiller d'un voile trompeur Rock FM. Bref, Cox faisait comme bien de ses congénères de la scène indie-rock. Vision basse et piochage éhonté dans le passé de sa scène et celles affiliées. Heureusement que sa très forte personnalité et son talent certain le sauva du marécage indie. Mais peut-on vraiment lui en vouloir? "Why hasn't everything already disappeared" vient de sortir tout juste et on peut immédiatement pour le chroniquer passer par une rapide tentative de réponse indirecte au titre en lui-même. Pourquoi Deerhunter n'a-t-il toujours pas disparu? N' y voyait pas là une quelconque ironie teintée de méchanceté de ma part. Ce disque est réussi et me plait. On est bien loin du crash "Monomania". Non, la réponse est de savoir comment Cox continue de surnager de la masse des neuneux malgré ses abus et excés personnels et les sales manies revivalistes du groupe inhérentes à leur scène d' origine. On retrouve par exemple leur capacité intacte faire s' entrechoquer la violence et un étrange sentiment de bien être. Cox est torturé depuis toujours et qui plus-est dresse dans ce disque un constat terrifiant de fatalisme sur notre époque. Et une nouvelle fois et toujours autant étrangement, ses chansons sont de parfaites couvertures pour nos cocconing d' occidentaux désespérés face aux cataclysmes en cours. Musicalement Cox va chercher plus loin que la majorité les influences. Jazz, folk, rock-Fm encore, Glam Rock et même Synthpop fin 70's début 80's(GreenPoint Gothic). Par certains styles approchés et thématique abordées l' ombre de Bowie plane étrangement. Les penchants taciturnes du bonhomme lui évite l' assemblage facile référenciel. La politique n' a jamais été absente chez Deerhunter mais sur "Why hasn't..." elle l' est encore plus. L' effet Trump? Mais si on a répondu à la première question concernant la caractéristique essentielle du groupe qui en fait le meilleur groupe indie-rock ricain apparu depuis dix ans une autre interrogation se profile. Interrogation qui cache ce qui ne plait pas dans ce disque. Le petit échec perso de Deerhunter et l' immense de l'indie-rock agonisante. Cox semble s' interroger du comment peut-on parler de ce monde par l' intermédiaire d' un album d' indie rock classique? Déjà le format permet-il de coller et de bien décrire l' immédiateté et l' effet loupe déformante du numérique et de ses réseaux socios? Pour Cox ça semble inenvisageable. On lui dit que des Lopatin, Ferraro, Holly Horndon et tant d' autres présents dans ce blog y arrivent? Il a bien tenté de changer l' esthétique, pas débile il a bien compris depuis longtemps que l' esthétique indie se devait de changer. Ses tentatives rétrofuturistes à la Laurie Anderson("Détournement") en sont une preuve mais aussi la marque d'une erreur. Le mot rétro reste collé à ses expérimentations courageuses. Au moins ils ont cherché plutot que de tomber dans l' arnaque et le maquillage Synth-pop facile des Tame Impala. Bradford Cox dit depuis quelques années qu' il déteste la nostalgie et le cynisme qui noye l' indie. Et c' est peut-être bien ça qui en fait une sorte de groupe ultime d' une histoire musicale déjà vieille de plus de trente ans. L' indie rock, pop ou que sais-je encore. Il sait ce qu' il cloche mais peine à franchir le cap. Comme à son habitude, ce fêlé a encore fait preuve d'une vista et d'une capacité d' analyse que beaucoup en sont démunis. Mais malheureusement, même si il a compris le piège des guitares/boulets, Deerhunter apparaît de plus en plus un peu comme les formations anglaises post-punk (Idles, Shame) qui redonnent envie de retrouver nos vieilles passions. Des gens bien, pas idiots et plutot courageux et combatifs, mais qui faute de réelles avancées sonores nous offrent des brûlots politiques qui agissent un peu trop malheureusement comme des nids douillets nostalgiques plus aptes à encourager le cocooning que que la grande révolution. Les sons sont bien trop familiers et récupérables pour bouger quoi que ce soit.

Parfois il arrive des trucs bizarres dans la vie de ce blog. Par exemple, en fait très rarement, un emballement médiatique et critique français sur un artiste, un genre ou un disque réellement jugé par ici également génial ou passionnant. Le genre de disque qui va compter dans le futur. Le futur...un temps de conjugaison si peu usé et défendu en France, l'un des pays parmi les plus rétrograde et égocentrique qu'il soit. Surtout en matière de chronique et programmation musicale. ET ça, DWTN en a parlé des dizaines de fois. Alors quand nos chers programmateurs et journaleux-critiques craquent sur le même disque que DWTN, et qui plus est, sans l' éternel retard dont ils font preuves systématiquement, on ne peut que s' en réjouir. Réjouir et aussi rigoler un petit peu tant l' accueil de ce disque révèle de l' incurie de certains. Deanna Abdelwahed est tunisienne. Elle s'installe à Toulouse vers 2015 et ceci a sa petite importance dans l' "étonnant" accueil de notre cher fRance (pas de faute de frappe ici). Elysia Crampton, Chino Amobi ou Rabit devraient-ils faire pareil pour avoir ne serait-ce qu'un peu de l' attention médiatique qu' ils méritent? Du coup son disque sort chez Infiné Music, label français créé entre autre par Agoria. Assurément la plus belle sortie de toute l' histoire du label. Cherchez pas plus loin les raisons de ce coup de lucidité et de flaire journalistique et de l'industrie des festivals français. Entre égocentrisme, fainéantise. Bon par contre pour la présence de Nidia Minaj sur Bordeaux le miracle n' a pas eu lieu . Tant pis pour nous, tant mieux pour Princìpe. De Deanna Abdelwahed les premiers échos que j' avais reçu remontent à pas mal de temps mais ne concernait pas sa propre musique. Plutot ce qu' elle osait passer en Tunisie et en France dans ses dj set. Un peu d' UK bass mais surtout, surtout, du ...Footwork! Ce sont des gens comme elle, des personnes venant d' ailleurs et n' ayant pas attendu la mort de Rashad pour craquer sur le style de Chicago , qui me faisait penser qu' en fait il n'y avait que la France vers 2012-13 qui passait à côté du phénomène mondial. Elle le dit et le répète à longueur d' interview ces derniers jours. Le disque qui a tout changé c' est Bangs & Works en 2010. Bref, un peu comme par ici. Pour ceux qui ne savent pas ce disque est encensé par ici depuis la création du blog (dernier article en date ici). En 2017 elle balance le ep "Klapp" dans lequel l' auditeur découvrait un mélange spirituel d' un petit peu de tout avec une certaine prédominance dans les manières du Dubstep gonflé au numérique. Si je me souviens bien "Klapp" m' avait laissé une très bonne impression teinté de modernité et de courage malgré un sentiment d' inabouti. Un travail de déconstruction un brin trop sage. "Khonnar", pour les ignorants le K se prononce "R", va beaucoup plus loin. Jusqu'à fréquenter à sa manière des territoires bien connus des lecteurs du blog. Encore un disque qui prouve clairement que la boussole de la musique électronique n 'indique plus vraiment le Nord. Je vous parle depuis longtemps de Gqom, de Cumbia Clombienne, du Kuduro façon Princìpe, de rythme brésiliens malaxé par des ritales ou du mélange des genres footwork/afrique de Clap Clap. Plus récemment du Singeli de Bampa Pana. Et bien sachez que Deenna adore tout ça. Cela se ressent fortement dans son parti prix rythmique qui évite le 4/4 systématique et pioche dans les influences citées à l' instant. "Khonnar" ne se contente pas de s' inspirer des dernières innovations rythmiques. Il s' inscrit parfaitement dans la lignée de beaucoup d' autres choses. Musicalement comme politiquement et sociétal. Brassage d' influences, celles du dancefloor comme de son héritage culturel tunisien. Autre trait commun avec les artistes défendus ici, ce refus de choisir entre coutume et technologie, ce goût pour l' histoire doublé par une volonté farouche de futurisme. Et qui dit futurisme dans un monde en plein chaos dit comme souvent ici, dystopie. Mais une dystopie combattante. Les 9 titres balancent à nos faces une musique dark, perturbante. Conflictuelle. Et en la matière d' illustration de conflit Deanna Abdelwahed évoque fortement la musique de l' une des icones du blog, Dominick Fernow aka Vatican Shadow. Et pas seulement artistiquement. Depuis que j' écoutes sa musique et que je connais son pays d' origine je ne cesse de penser au "Media in the service of Terror" de Fernow et à sa pochette (photo de l' attentat de Sousse en 2015). Les gentillets intéressés par un exotisme déculpabilisateur de nos pays colonisateurs devront passer leur chemin. Deanna Abdelwahed va comme Vatican Shadow faire exploser le lavage de cerveau médiatique. Le terme a été lancé il y a peu au sujet de NON Worldwide et je l' attribue également à ce disque, c' est à une nouvelle décolonisation que nous découvrons. Ses armes, la Bass music et la Techno expérimentale, un couillat d' abrasion noisy, des synthés reprenant et disséquant les motifs orientaux pour les rendre glaçants. Et ce coup-ci contrairement au ep ça passe par un très gros travail de déconstruction original. Son territoire de lutte, un dancefloor où la démagogie, le panurgisme et le conformisme sont interdits de présence. Sa force, une personnalité forte qui sait de qu'elle parle. Abdelwahed parle autant d' inégalité des sexes, d' homophobie, bref émet une critique de la société tunisienne de l'intérieur, mais aussi se détache et tords la vision européenne majoritaire. J' ai déjà cité son nom mais franchement on aurait que trop envie de proposer à Deanna Abdelwahed de quitter les structures françaises pour rejoindre celle de NON Worldwide et de ses affiliés tant elle s'inscrit dans leur lignée. Tant comme eux elle fait du bien en décrassant les oreilles et les mentalités vieillottes. Le trait d' union est inévitablement sa proximité sonore avec Fatima Al Qadiri et son "Desert Strikes" de 2012. Sans rien perdre de sa personnalité, avec un talent monstrueux et un savoir indéniable, la tunisienne frappe un grand coup et offre à son disque le rôle parfait de passeur du morne quotidien français occidental, terne et rétrograde à celui de la fraîche Deconstructed-Club (ou post-club) mondiale, politisée et moderniste. PS J' ai encore oublié de vous parler de Zuli, la grosse claque sonore égyptienne du moment. Jetez-vous sur son disque paru sur le label UIQ de ...Lee Gamble. Et si Gamble aime, c' est dire l' intérêt qu'il faut lui porter!

Je vous l' avais promis alors la voici. La chronique du grand disque de 2018. La bombe à retardement qui fait mime de planter mais qui va tout foutre en l' air dans peu de temps. Yves Tumor dans DWTN c' est déjà une vieille histoire tant son hombre et le petit monde auquel il appartient sont omniprésent. Vous pouvez aller voir par là, par ici et enfin surtout dans cette première partie de chronique pondue dans l' urgence après la sortie surprise et l' été de folie du bonhomme. "Safe in the Hands of Love" est sorti depuis une dizaine de jours et à chaque écoute le choc est encore présent. Et ça va durer. Pourquoi ce disque souvent décrit comme étrange et défiant toutes règles est important et une totale réussite? D' abord penchant nous sur la carrière d' Yves Tumor. Pour bien appréhender l' ensemble de sa jeune mais déjà si importante oeuvre faut se souvenir de tous les pseudos de cet américain résidant en Europe. Pseudos souvent associés chacun à une direction musicale différentes des précédentes. C' est un touche à tout de génie et quand il annonce pour nom de naissance Sean Lee Bowie on se demande si ce n'est pas dès lors une entourloupe. Evidemment quand les néophytes vont tomber sur certaines vidéos où il change rapidement de costume et d' apparence donc de personnage, ou sur certain extrait de live où on se situe entre la simple performance arty, le concert et le Dj Set, ils vont vite comprendre qu' un autre Bowie plane autour du personnage. Il y a aussi certaines affinités autres que musicales avec Le David Jones aux cheveux longs et bisexuel dans le Londres des 60's. Ce garçon raconte s' être mis à la musique pour fuir son Tennessee natal avec son environnement raciste, homophobe, sexiste et conservateur. Il est devenu un membre à part de tout cette clique d' artistes Queer qui expérimentent musicalement et révolutionnent les pensées, les Arca, SOPHIE, Lotic, Elysia Crampton ou encore plus sagement Serpentwithfeet. Les pseudos utilisés sont TEAMS pour tâter de Vaporwave, d' Hypnagogic-pop, de Chillwave et même d' Ambient House jusqu' à titiller parfois le Footwork alors naissant, Rached Ali, Shanti, Bekelé Berhanu et ses aspirations Post-Club. Puis progressivement c' est le Yves Tumor qui s'imposa avec ses début Ambient et hypnagogic-pop sur un fond d' héritage Soul et Gospel. A cela histoire de compliquer encore plus l' histoire il participa à de nombreuse associations, Silkbless et The Movement Trust avec LR Berdman qui suivaient les traces de Ron Morelli ou Huerco S en matière de House Outsider, soit de la Deep House violentée (j' en parlais par là). Une autre, peut-être celle qui me le fit mieux connaître, c' est le duo formé avec une autre star de ce blog, James Ferraro, au sein de BodyMusic et leur travail de déconstruction du Hip Hop s' apparentant à du proto Post-Club. Il y eut aussi une expérience Vaporwave au sein de la Teamm Jordann et plus récemment Trump$America avec encore(!) une connaissance du blog, Dedekind Cut. Les lecteurs assidus du blog constateront par eux même que Yves Tumor est passé avant "Safe In The Hands Of Love" par à peu près tous les courants et styles novateurs que ce blog n' a de cesse de défendre à longueur de temps. Il est au coeur de tout depuis le début de la décennie. Aucunes oeillères et enfin un sacré flaire pour trouver ce qui se fait de plus passionnant et avant-gardiste. David Jones/Bowie ne peut du ciel qu' apprécier lui qui savait aller là où les suiveurs n' osent jamais.Certains croisèrent Tumor même aux rares prestations live de Dean Blunt et Igga Copeland avec leur Hype Williams. C 'est dire! Où va-t-il à son arrivée en Europe? Après un passage en Italie il file là où ça se passe en matière de révolution culturelle des dancefloors et d' expérimentation sonore, Berlin. Passe par le Janus Club (Lotic, M.E.S.H.), fréquente Bill Kouligas et son Pan Records. On en reparlera prochainement dans DWTN du machin Deconstructed Club/ Post-club avec un gros dossier récapitulatif tant les Janus et d' autres deviennent inévitables en 2018 pour appréhender le futur. Si à première vue le son de Tumor ne ressemble pas à ceux post-club de Lotic, M.E.S.H. certains titres ont une parenté évidente tel "Economy Of Freedom" et "Honesty". "Hope in Suffering" et "Let the Lioness in You Flow Freely" ressemblent quant à eux aux collages sonores du Deconstructed Club de Chino Amobi et Elysia Crampton. "Safe in The Hands Of Love" est bel et bien une bombe à retardement tant il va exploser toutes les barrières, faire perdre tout repère aux auditeurs. C' est une oeuvre fruit d'une liberté totale à la puissance émancipatrice capable de faire changer toute personne atteinte de panurgisme stylistique et sociale. Une bombe fabriquée par Tumor en utilisant toutes ses expériences et errances passées. Ce disque comme je l' écrivais dans le premier article le concernant aborde plein de courants du passé, souvent on se retrouve à des souvenirs 90's mais il ne s' agit que de traces presque accidentelles. Trace de Big Beat, de Baggy Sound, Trip Hop, R'n'b, Dreampop etc etc. Tumor a certes de la culture mais ne l' étale pas bêtement. Les risques de se perdre existaient sur le papier comme à l' écoute distraite de bon nombre qui vont passer à côté. Mais il y a fil d' ariane auquel Tumor s' accroche depuis toujours. D' abord techniquement il utilise le sample comme principal outils avec des moyens Lo-fi. Ensuite tout au long des 10 titres une sensualité bien personnelle se dégage. On l' avais croisé dans ses premiers disques solo sous ce pseudo même si en live il se laisse aller à une certaine provocation sonore bien plus rentre-dedans. De cette bipolarité le disque en porte les traces tanguant entre violence et raffinement. La violence évoque l' isolement autoritaire que nous fait subir nos sociétés modernes et le raffinement exprime une idée de vouloir s' en extirper par le refus de la caricature et de l' urgence. Ses paroles abordent la nécessité d' en passer par une rupture brutale qui sera de toute façon déchirante mais salvatrice. Sortir la tête du trou dans le quel les réacs et Néo-Libéraux, souvent ils sont une et même personnes, n' ont de cesse de nous y jeter. Cet album est donc libéré de toute restrictions identitaires et stylistiques au point qu' il va en perdre plus d' un des snob et élitistes de pacotille. Bombe à retardement parce que si il peut titiller la fibre vintage dans un premier temps il va lentement mais surement la duper et la tuer. Tumor fait ce qu' un John Maus et Ariel Pink ont fait. De l' Hauntologie tueuse de connerie nostalgique. "All The Love We Have Now" c' est une sorte d' Ariel Pink post-vaporwave et Seapunk. Si parfois il revient à ses aspirations expérimentatrice, indus et ambiant, à d' autres moment il nous offre l' une des plus belles mutation de la pop. Un laboratoire à la pointe du progrès qui effectue un terrible bombardement moléculaire sur les structures "classiques" de toute forme de musiques dites Pop. Il l' a dit souvent, il n' a pas de musique précise en guise d' objectif, ce serait pour lui juste une tentative de traduction d' ambiance différentes. Si parfois certains titres évoquent l' esprit des Avalanches ou des Animal Collective la démarche de Tumor et ses comparses contemporains va bien plus loin et est bien plus révolutionnaire. "Safe in The Hands of Love" est le grand disque important de 2018 qui va s' inscrire durablement dans l' histoire parmi par exemple les trésors du jazz entre-aperçus au début et la synth-pop 80's croisée à la toute fin de l' album. Pour les reclus du référentiel indie c' est ni plus ni moins que le "Screamadelica" des 10's. Voir mieux. Un "Screamadelica" produit par Aphex Twin sous le patronage de Saint Bowie pour toutes les raisons évoquées plus haut. Hommage évident à Bowie

Mais quelle mouche l' a piqué? En à peine un été Yves Tumor vient de prendre une stature infiniment plus grande qu' auparavant en opérant un de ses virages artistique comme on en voit si peu. Et c' est peu dire que sa stature pré-estival était déjà grande. Pour les retardataires voici les liens vers les articles concernant le bonhomme (ici et là). Deux albums officiels au compteur, les deux classés dans les top annuels de DWTN, c' est dire la passion du blog pour ce type. Petit rappel des faits de l' été de fou d' Yves Tumor. Le 25 Juillet un premier titre déboule à l' improviste et surprise totale. Si sa signature sur le légendaire label WARP était annoncé depuis longtemps c' est le contenu qui fit sensation. Accueil critique dithyrambique. C' est un quasi-tube indie ! Le grand maestro de Sound Collage dans lesquels se mêlent ambient de haut vol, héritage Soul sur un mode éthéré et hypnagogic-pop parfois atteint d' abcès noisy et post-indus opère alors un virage à 180° comme très peu de musiciens le font. Qui plus est un virage réussi. Le titre "Noid" ne ressemblait à rien de ce qu'il avait fait auparavant. Une chanson franchement indie-pop où d' étrange réminiscence baggy semblait flotter sur les mimic digne d' Animal Collective et quelques relent disco. Un truc à la fois identifiable et étrange. On reconnaissait malgré cela la patte Tumor avec des boucles de sample et un certain lyrisme énigmatique et assurément bouleversant. Que Tumor offre un double visage n' est pas réellement surprenant au regard de ses disques brumeux et de ses prestations live franchement agressive par instant et toujours spectaculaires. Mais de là à nous offrir ce qui pouvait s' apparenter au tube estival parfait pour un autre monde idéal, c' était bluffant. Un mois après le 29 Août avec le coquin "Licking an Orchid" il nous cueille une deuxième fois dans la torpeur estival mais sur un mode plus délicat. Après le tube pour danser voici le slow pour baiser voir même tenter des expériences sado-maso. Ce coup-ci on se retrouve face à une espèce de Trip Hop bizarroïde basculant un instant dans une rage noise-rock au son de la voix ensorcelante de James K, elle aussi spécialiste de l' expérimentation à tout va. Deuxième claque et c' était pas fini. Depuis tout s' est précipité. Au point de repousser cet article chaque jour tant les infos et les rumeurs s' accumulaient. Le 3 Septembre "Lifetime" se pointe à son tour et Tumor tutoie encore plus les sommets. Comme pour les deux précédent la "patte" est la même mais nous sommes loin de la Soul timide mais poignante de "Serpent Music" et "Experiencing The Deposite Of Faith". L' aspect hypnagogic-pop vole en éclat devant un son plus clair susceptible de draguer un public bien plus large. Mais Tumor a la clé pour opérer dans cette direction sans se renier ou faire dans le facile. Son héritage Soul apporte une rage, une colère et une puissance lyrique ravageant tout sur leur passage. On a l' impression qu' il a fait réinterpréter un titre composé avec des samples par l' orchestre symphonique d' Isaac Hayes. A peine remis du choc et moins de 24 heure après c' est "Economy Of Freedom" qui surgit. Le Tumor plus bruitistes et fan de musique concrète réapparaît pour nous délivrer le 4ème choc musicale en un peu plus d'un mois. Juste le temps de verbaliser qu' il devenait évident qu'un album gigantesque approchait que ce dernier sort officiellement en version numérique. Il s' appelle "Safe in The Handsof Love" et est d' hors et déjà l' album de la rentré voir plus. Il s' avère dès les premières écoutes composés des deux faces d' Yves Tumor, expérimental et dorénavant pop. Sa version physique ce sera pour le 12 Octobre. D' ici-là la chronique enthousiaste dans DWTN assurément !!!

A peine digérée la fraîcheur du Gqom voici venu le moment pour l' euphorie Singeli. Si ce terme de Singeli vous est étranger sachez juste qu' il ne l' est pas dans la diaspora Africaine et chez certains producteurs électro occidentaux à l' oreille pointue. L' an dernier je vous avais déjà glissé une bonne dose de Singeli dans le top annuel des compilations. Ce coup-ci c' est l' album de l'un de ses représentants parmis les plus prometteurs. Et sachez que ça va vous ...retourner! L' an dernier le label Ongandais Nyege Nyege Tapes nous avait donné un apperçu de Singeli moderniste sans aucun compromis par l' intermédiaire de la compilation "Sounds Of Sisso". Coup d' éclat et une gigantesque révélation. Si vous êtes curieux en tapant sur youtube le mot Singeli vous allez vous retrouvez face à une multitude de clips provenant d' Afrique de l' Est. Vous rencontrerez donc la version la plus écoutée du genre. La plus "variétoche" ou "commerciale" oserais-je dire tant ce style est démocratisé là-bas. Des clip reluquant les clichés R'n'b ou rap avec clinquant et danse du popotin totalement hypnotiques. Les rythmes y sont effrénés frôlant la syncope et les synthés sont répétitifs et hachés menu-menu. Le phrasé hyper rapide des MC va aussi vous faire tourner la tête. Mais avec Bamba Pana c' est l'underground et celle du studio Sisso que l'on découvre . Sur " Sound Of Sisso" nous rencontrions une version plus abrasive, voir carrément Punk. Le label ougandais a eut le nez creux de se pencher sur le Singeli Tanzanien et plus particulièrement sur celui qui voit le jour dans les ghettos de la mégalopole Dar Es Salaam. Son plus crado et plus électro. Les paroles délaissent un peu les clichés Hip Hop consuméristes et sexuels pour une teneur plus politique portant par exemple sur un quotidien des gamin fauchés et leurs relations avec une police corrompue à tous les étages. A Dar Es Salaam le Singeli souvent acoustique et instrumental se voit propulsé dans le futur par un apport de l'ordinateur encore plus présent. Bamba Pana de son vrai nom Jumane Ramadhani Zagge est la tête de gondole d' une mouvance bien plus intègre et aventureuse que ce que Youtube offre en premier. No compromis en somme. Des BPM atteignant les 160 jusqu'à 180 par leur syncopages peuvent évoquer le Kuduro modernisé du label Prìncipe de Lisbonne (sur "Kusini") ou le Shangaan électro d' Afrique du Sud. Mais pas seulement. Cette musique frénétique et vertigineuse, totalement hédoniste, évoquera aux plus anciens certaines chose du Gabber chéri par d' autres jeunes, ceux noyés dans la crise économique et l' ennui de la Belgique ou Hollande des 90's. On peut aussi citer sa cousine la Transe et même, aller jusqu'à chercher le nom du roi de la déconstruction de ce courant, Lorenzo Senni et son pote Alberto Guerini aka Gabber Eleganza. Les ressemblances sont troublantes entres certains titres de Bampa Pana comme la version instru de "Ling Linga" et ceux de l' italien de WARP. Sur d' autres morceaux de l' album "Poaa" on peut même se retrouver sur les terres expérimentales et minimal de gens comme Ryan Tenor ("Biti Six"). Imaginez encore une version africaine du footwork sous acide. Si le dénommé Aphex Twin tombe un jour sur ce Singeli je peux vous affirmer qu' à l'instar du footwork les chanceux vont de le prendre dans la figure dans l'un de ses lives légendaires. Il va être difficile de trouver en 2018 une musique pour dancefloor autant innovante, originale, haletante et bourrée d'une énergie susceptible de remuer un mort. On savait que le futur se trouvait autant à Chicago qu' à Durban (là), Lisbonne (ici) Berlin ou à Oaxaca (par là). A présent les jeunes gens modernes (de 2018) devront prendre les valises pour les dancefloors des ghettos du Tanzanie.

J'ai définitivement remisé mes kickers de 1995, mon bob et bien sûr mon vieux k-way rouge. Au diable les discussions interminables sur le trajet à prendre, la saveur de la bière, le stationnement dans un Saint Malo bondé et la qualité des galettes saucisses. De toute façon le petit côté consommateur grandissant des festivaliers m' a toujours foutu la gerbe, le confort comptait bien moins que la musique. La Route du rock c'en est fini pour moi. Sans aucuns regrets. Et dire que l'histoire avait commencé à l' arrache en 95. Presque par hasard. Pendant 20 ans ce festival ,à l' origine pas comme les autres et ce pour une grande partie de ce bout de vie, était une borne annuel. Le grand moment de la rencontre d'un gamin venant de son trou du cul corrézien avec les musiques alors inaccessibles en live au quotidien et qui lui servait de phare salvateur. Si ce n'est de bouée! D' abord un moment attendu avec frénésie, ensuite une habitude vitale jusqu'à devenir une coutume. Je n' aime pas les coutumes. C' est chiant les coutumes, et surtout pas favorable au grand frisson de la nouveauté, de l'inconnu et de la perte de repère si nécessaire pour ne pas se pourrir. Ces derniers temps il y a encore des gens pour me demander : "alors jojo, tu vas à la route du rock?" Et moi de répondre depuis 3 ans par la négative ne manquant pas de créer la surprises chez les retardataires. Il y a bien sûr de nombreuses raisons. Un enfant par exemple. Pourquoi traînerai-je ce pauvre gamin chaque année au même endroit alors que le monde et les possibilités de découvertes sont si grande ailleurs. Ne pas faire à un autre ce que tu as détesté par le passé. Mais pour être honnête la principale raison est purement musicale si pas philosophique et politique. Et c'est peut-être bien ça le plus important. Depuis déjà trop longtemps le Fort ne m'offrait plus le "grand frisson". Trop de revival, trop de redite, trop de vieux groupes reformés peinant à retrouver le lustre d'antan. Trop de vieille musique à l'image d'une scène mondiale indie qui n' a pas vu qu'elle s' était faite récupéré un petit peu et que ses plus dignes héritiers étaient partis voir ailleurs. L' état d' esprit indie de 95 existe toujours mais il est bien ailleurs, son esthétique a changé, des nouveaux courants sont apparus, d' autres ont muté. Alors pourquoi écouter toujours le même son qui peinent tant à nous parler de notre époque? Quand un quadra commence à trouver aux rendez-vous annuels malouins un arrière goût gentillet de musée et de madeleine de Proust c'est que vraiment il y a un truc qui cloche. Plus ça allait et plus la musique qui passait au fort Saint Père ne parlais pas du présent de ma passion et évoquait de moins en moins son probable futur. On pourrait me rétorquer que ma passion s' est simplement estompée avec l' âge. Mon blog Dancing With The Noise prouve tout le contraire depuis 6 ans. Les grands noms ont beau continuer de venir, les petits nouveaux de débarquer, je me demande si certains spectateurs ne continuent pas à y aller pour retrouver une jeunesse perdue ou juste rajouter froidement une ligne comme d' autres le font sur un CV. Et un CV vous savez, culturel ou pas, passionnel ou pas, ça triche toujours un peu et surtout cela ne rendra jamais réellement compte d'une vie de passion. Un peu comme des touristes suivant bêtement leur guide. Ce dernier est en mode automatique depuis trop longtemps et son publique semble avoir perdu depuis trop longtemps aussi la soif de l'inconnu. Le monde a changé et les musiques par une logique implaquable font de même. De mes récents coups de coeurs musicaux il n'y en avait quasiment trace dans les récentes programmations si ce n'est des apparitions bien trop tardives (John Maus en 2018??!!!!). Je pourrai faire comme d' autres, me laisser atteindre par la paralysie musicale recroquevillé sur mes souvenirs et mes artefacts et perpétuer le pèlerinage. Rester dans le confort culturel voir l' affichage sociale à peu de frais comme certains faussaires. Mais j' aurai juste trop peur de me dessécher tout simplement. De me renier. Le festival pas comme les autres est donc devenue à mes yeux un festival quasiment comme les autres. Il y a bien sûr certaines nuances qui différencieront toujours un peu ce vieux machin mais dans le fond le présent et surtout le futur s' écrivent dorénavant ailleurs. Aller à un festival en 2015 est-il la même chose qu'en 95? On dira juste un peu moins iconoclaste. Si rares autrefois ils sont dorénavant aussi fréquent que les Mc Do en périphérie des villes. Ai-je changé? Suis-je toujours le gamin de 1995 avide d'une autre musique que le tout-venant? Non et c'est bien pour ça que la Route du Rock ne me verra plus. Ce sont les temps qui ont changé et la RDR s' est pris les pieds dans le tapis de la nostalgie et du vintage jusqu' à faire du surplace. Alors ne soyons pas non plus ingrat. Ce festival fut pendant près de 20 ans un petit miracle dans ce pays qui n' aime pas autant la musique qu'il le croit. La RDR m' a donc tant offert en 20 ans qu' il faut désormais solder les comptes et jeter un dernier regard dans le rétroviseur juste avant que la brume du temps qui passe ne cache tout les bons souvenirs. Ne sont pas pris en comptes les DRAMES (JOJO absent à ST MALO) PORTISHEAD 1998 2014 PJ HARVEY 1998 TV ON THE RADIO 2004 NICK CAVE & THE BAD SEEDS 2013 APHEX TWIN 2011 LCD SOUNDSYSTEM 2004 -2007 ANIMAL COLLECTIVE 2005 LIARS 2006-2010 FUCK BUTTONS 2008 INTERPOL 2001 DEATH IN VEGAS 1997 LO FIDELITY ALLSTARS1998 GUSGUS 1997 DAN DEACON 2011 SAVAGES 2012 THE FLAMING LIPS 2010 JULIA HOLTER 2013 DOMNIQUE A 2009 THE NATIONAL 2007 SONIC YOUTH 2008 THE AVALANCHES 2001 MAZZY STAR 2012 SPIRITUALIZED 1998 MY BLOODY VALENTINE 2009 GRIZZLY BEAR 2006 CAT POWER 2006 LIFT TO EXPERIENCE 2001 DIRTY BEACHES 2011 DEERHUNTER 2009 SLOWDIVE 2014 ELECTRELANE 2011 WILLIS EARL BEARL 2012 FAT WHITE FAMILY 2014 GIRLS BAND 2015 GANG GANG DANCE 2009 DJ SHADOWS 1999 TINDERSTICKS 1999 SUN KILL MOON 2015 COLIN STETSON 2012 SIGUR ROS 2008 MOGWAI 2001 REGULAR FRIES 1999 !!! 2005 BLACK DICE 2003 PROTOMARTYR 2015 Les deux absents de Spotify

TOP 30 ALBUMS SOPHIE Oil Of Every Pearl's Un-Insides SARAH DAVACHI Let Nights Come On Bells And The Days BEACH HOUSE 7 GROUPER Grid of Points LOLINA The Smoke ONEOHTRIX POINT NEVER Age Of ICEAGE Beyondless ABUL MOGARD Above All Dreams тпсб Sekenduenschlaf DJ TAYE Still Trippin SOHO REZANEJAD Six Arvhetypes THE BODY I Have Fougth Against It, But I Can't Any Longer GABOR LAZAR Unfold THE CARETAKER Everywhere At The End Of The Time Stage 4 PAPER DOLHOUSE The Sky Looks Different Here PENDANT (HUERCO S) Make Me Now You Sweet SHAME Songs Of Praise DIALECT Loose Blooms CECILIA Adoration DEBIT Animus THE MODERN INSTITUTE Another Exhibition At The Modern Institute SPACE AFRIKA Somewhere Decent To Live CHEVEL Always Yours LUCY RAILTON Paradise 94 DEDEKIND CUT Tahoe AÏSHA DEVI DNA Feelings ELYSIA CRAMPTON Eponyme PROC FISKAL Insula CHAINES The King Celui que l'on attendait pas RP BOO I'm Tell You What ! TOP EP'S & SINGLES JAMES FERRARO Four pieces for Mirai DJ NIGGA FOX Crânio BJORK Arisen My Senses DJ LILOCOX Pax & Amor NEGATIVE GEMINI Bad Baby TOXE blink MARTYN BOOTYSPOON Silk Eternity GABBER ELEGANZA Never Sleep#1 RAIME I'm Using Content Or Is Content Using Me P ADRIX Album Desconhecido LOW JACK Riddim Du Lieu-Dit BOY HARSHER Country Girl Ep KLEIN CC EVOL Ideal Acid HANDY Smacker DOON KANDA Luna 700 BLISS Spa 700 8ULENTINA Eucalyptus KELORA Girl JAMES BLAKE If The Car Beside You Moves Ahead TOP COMPILATION NON WORLDWIDE COMPILATION TRILOGY Vol. 1,2 & 3 IN DEATH'S DREAM KINGDOM PATINA ECHOES PC MUSIC Volume 1 & 2 PHYSICALLY SICK 2 REEDITION CHRISTOPHE DE BABALON If You're Into It, I'm Out Of It

Cet article fait suite tout en reprenant une partie de celui consacré aux liens entre la maladie Alzheimer et la musique. Leyland Kirby poursuit son travail de longue haleine consistant en une illustration de cette pathologie par sa série "Everywhere At The End of The Time". Le chapitre 4 vient d' être publié et une nouvelle fois le fan de musique et l' aide soignant que je suis sont abasourdi par la qualité et la pertinence de l'oeuvre. A l' instar de cet article DWTN tachera donc de remettre à jour régulièrement sa chronique originale en fonction des futures suites de la série. PETIT RAPPEL Leyland Kirby se pose probablement comme des mieux placé pour tenter d' illustrer par la musique Alzeimmer et les démences qui lui sont affiliées. Ce nom vous l' avez déjà croisé maintes fois dans ce blog . L' an dernier cet artiste avait encore une fois droit aux honneurs de DWTN pour son magnifique "We, so tired of all the darkness in our lives". Alzheimer touche la mémoire et qui de mieux placé qu'un artiste affilié au courant Hauntologique. L' "Hauntology music", ce bidule "post-moderniste" qui tire son nom des travaux de Jacques Derrida, je n' ai de cesse de vous en parler et une fois de plus il ne peut qu'en être question. Il y a de solides et bien réelles passerelles entre la perte de mémoire liée à Alzheimer et la réflexion hauntologique. Ces musiques traitant de la nostalgie et des tours que cette dernière joue aux souvenirs quand nous sommes en quête d' un avenir qui ne s' est pas réalisé. Quand le présent devient dystopique. Mark Fisher parle quant à lui toujours au sujet de l' Hauntology d'une "confrontation avec une impasse culturelle. L'échec de l'avenir". Les pertes des repères et des souvenirs provenant d' Alzheimer ne représentent-elles pas également une impasse et l' avenir une notion bien évasive ? Les personnes atteintes "semblent" enfermées dans une vision courte au jour le jour. Si ce n'est pas de l' instant à l' instant. En apparence. Un hauntologiste refuse d' abandonner l' avenir en évitant le même travail bêta des copieurs revivalistes de tout poil. Il décompose la musique du passé, la transforme, la parasite. Il n'est pas "nostalgique", il utilise la nostalgie du passé pour critiquer le présent et tenter d' amener un avenir plus radieux. Kirby a une autre particularité et pas des moindres pour être le plus à même de décrire la démence et l' oublie. C' est un ancien aide-soignant justement. Cela fait déjà pas mal de temps que le britannique Kirby a monté son projet The Caretaker. Rien que le choix du pseudo évoquait la mémoire et nos liens avec le passé, nostalgie et mélancolie. Référence au "Shining" de Kubrick et notamment aux dons de médium du mioche du film, un personnage susceptible d' explorer le passé. En 2011 avec " A empty bless beyond this world" il aborde une première fois Alzheimer avec tact et pertinence. Succés artistique et critique au rendez-vous. Mais comment s'y prend-t-il pour évoquer cette maladie? Comme souvent et dans la grande tradition Hauntologique il utilise des références du passé. Ici ce sont des samples plutot que des instrumentations jouées. Sample des musiques jouées dans les bals anglo-saxons des années 20 et 30 dont on possède les traces par l' intermédiaire de 78 tours. Après en avoir déniché un certain nombre Kirby n' a eut de cesse de mettre en boucle certains titres ou extraits. Est arrivé ensuite l' un des éléments majeurs dans son travail et celui de ses congénères hauntologiques (Burial, Belbury Poly, William Basinsky). Le bruit de la surface d' enregistrement. Les fameux craquements des vinyles tellement symboliques du passé à l' heure du mp3 sont amplifiés et ce très progressivement jusqu'à prendre toute la place. Jusqu'à en faire disparaître la musique. Cette dernière est ici, comme justement dans le traitement des personnes atteintes, appelée à enclencher nos souvenirs. Mais, par le filtre de la maladie (les craquements, la déformation du son), la perte des sens s' installe jusqu' à atteindre le point de non retour symbolisé par un silence pesant et l'unique présence des craquements et de la tête de lecture du gramophone. Nous sommes sur le dernier sillon du disque , celui qui ne mène à rien si ce n'est qu'à lui même. L' impasse. La métaphore parfaite. Avec ce travail méticuleux il réussit parfaitement à reproduire les procédés fragmentés et non probants de la mémoire atteinte d' alzheimer. Depuis 2016 il va encore plus loin en affinant son travail avec la série "Everythere at the end of time". Cette série doit comprendre 6 parties et nous en sommes qu' à la moitié. Une fois terminée, The Caretaker sera appelé à disparaître selon les dires de Leyland Kirby. Chaque partie doit représenter un stade particulier de la démence précoce. La phase 1 sortie en 2016 abordait les premiers signes de perte de mémoire. Il ne semble pas se passer grand chose sur ce disque comparé à "We, so tired..." sauf à quelques petits détails près. Des morceaux présent aux débuts reviennent à la fin, se répètent mais sous un autre titre. La personne chercherait-elle ses mots, leur signification? L' ambiance reste cependant plus radieuse, favorable. Nous ne sommes confrontés qu'aux bons souvenirs et aux grands moments de nos vies. Mais qu' advient-il quand nous ne sommes plus capable de favoriser ces "bons" souvenirs pour faire face aux difficultés de la vie quotidienne. Quand le puit s' assèche et qu'il ne reste plus que de la vase mémorielle à sucer pour subsister. Ce que l'on voulait oublié et qui devient l' ultime canne . Mais une canne prête à se briser et possédant une poignée truffée d' épines. La phase 2 (Avril 2017) décrit une chose rarement abordée au sujet d' alzheimer et de bien d' autres démence. Quand la personne atteinte repère les premiers signes. Plus la mémoire s' efface et plus l' humeur devient négative. Le "black dog" de Churchill s' installe. La dépression précède le refus puis parfois l' acceptation attristée. Leyland Kirby commence à se lâcher sur cette phase en terme de rajout de sons aux samples et de manipulation. L' ambiance se noircit. L' heureuse nostalgie devient triste. Arrive la phase 3. La plus manipulatrice et intéressante jusqu' alors. Et aussi la plus porteuse de promesses sonores quant à la suite de la série. Le brouillard s' installe définitivement. Les éclaircies dans le traitement du son de la précédente phase diminuent fortement. Les boucles se répètent plus fortement, le tempo ralenti fortement et de brèves accélérations viennent trahir de probable énervements dus à l' incompréhension face à un extérieur devenu inconnu. La phase 4 qui vient tout juste de sortir marque un tournant majeur. Kirby explique qu' elle marque définitivement le passage dans la post-conscience. L' individu atteint n' est plus en mesure de mobiliser ses souvenirs les plus remarquables. Naissance, mariage, deuil. Il est à présent balloté mentallement par le désordre et la frayeur. Les dégradations cognitive sont devenues impitoyables. La musique dans ce quatrième chapitre n' est plus en mesure d' adopter une direction rationnelle. C 'est le spectacle sombre d' un capharnaum de réflexions déstructurées et d' émotivité indéchiffrable. Le ciel s' est irréversiblement assombri mais comme on le verra plus tard un rayon de soleil peut percer la couche épaisse de nuage à tout instant. On peut raisonnablement affubler cet ambiant fruit de collage sonores du terme de psychédélique. Kirby nous plonge irraisonnablement dans un vrai trip, mais un déchirant et très mauvais trip. La paranoïa et les crises d' angoisse remplace les délires euphoriques et les rèvasseries. L' atonalité prend le pouvoir et bien souvent cette musique crée un profond malaise à force de sonner faux. Les titres s' allongent marquant ainsi la perte de repère de la temporalité si caractéristique. La fuite en avant se poursuit donc dans cette 4ème partie qui persiste dans le réalisme documentaire en dévoilant par exemple ces petits miracles que nous pouvons constater au quotidien chez les personnes atteintes. Le titre "Temporary Bliss State" détonne par sa mélodie chatoyante et son semblant de luminosité. La suite, la phase 5 devraient être publiées courant 2018 et le projet se clore définitivement avec la 6 en Mars 2019. Leyland Kirby aka The Caretaker par sa maîtrise et son talent offre une nouvelle fois une oeuvre gigantesque, tortueuse et absolument pertinente. Comme toujours avec lui l' auditeur se retrouve confronté à une musique à la fois simplissime dans les apparences mais aussi très difficile d' accès si le contexte n' est pas posé. Un projet de longue haleine, donc fatalement à contre courant de l'immédiateté et du zapping dominant. Un disque nécessitant une écoute très attentive et endurante mais certainement le plus abouti et le plus essentiels des travaux sonores sur ces pathologies que la musique nous a offert. Petite mixtape d' à peine un quart d' heure tentant de résumer brièvement et maladroitement les nombreuses heures de musique du projet "Everywhere At The End of The Time" de Leyland Kirby. En plusieurs chapitres Kirby illustre l' apparition des premiers symptomes et l' installation définitive de la démence liée ou pas à Alzheimer. 1. "It's Just a burning memory" (Phase 1) 2. "Misplaced in time" (Phase 2) 3.The way ahead feels lonely" (phase 2) 4."Bewildered in another eyes" (Phase 3) 5."Libet's all joyfull camaraderie" (Phase 3) 6."Post awareness confusions" (Phase 4) 7."Tempory Bliss States" (Phase 4) L'intégralité du projet est dispo par ici

Et si pour une fois je m'engageais à regarder pour une fois la "chose" musicale en France du bon côté. Au lieu de se plaindre de la pauvreté, du manque d' originalité, de l' absence de courage et surtout du manque curiosité en matière de musiques novatrices ou un brin singulières par la plus part des programmations de nos festivals, si pour une fois donc... on voyait l' aspect positif. Face à une offre dorénavant pléthorique mais franchement peu emballante, le quadra père de famille en passe de se ranger des affaires du Live mais du coup, un brin frustré, peut y trouver un certain réconfort. Pas l'impression de louper quelque chose voir même la sensation d' éviter un peu plus de frustration, d' ennuie voir d' énervement. Surtout si il a su gardé intact un goût affirmé pour tout ce qui innove, change du tout venant et fricotte avec l' avant garde et l' hybridation stylistique. Que ce soit pour les musiques des salles de concerts ou celles des dancefloors. Ces deux courants sont malheureusement souvent séparés. Et puis patatras! Un festival français va réussir à me faire regretter mon petit confort et ma retraite de festivalier. Un festival qui tente depuis longtemps la synthèse des deux avec une prédominance pour le dancefloor mais surtout qui pouvait s' enorgueillir de faire venir des artistes souvent défendus ici. Jamais suffisament pour me frustrer chaque année. Y' avait toujours une bonne raison de ne pas pleurer. Alors que la Vilette Sonique jusqu'à présent le modèle à suivre dans l' héxagone semble s' être "Route du Rockinisé" dramatiquement à la vue de sa future prog caricaturalement "indie" et nostalgico-gaga ce sont les Nuits Sonores qui relève le niveau et vont me faire déplorer amèrement le temps qui passe. Que ce soit un festival estampillé électro n' est pas une surprise en soi mais cette année leur ouverture d' esprit absente chez la conccurence marquée indie/rock ou mainstream est ce coup-ci dopublée d'un flair exemplaire. On est pas encore au niveau du Undersound Polonais ou d' un Berlin Atonal question avant gardisme ni dans la riche et variée pagaille d'un Sonar mais Les Nuits Sonores s' en rapprochent comme jamais en 2018. Voici les raisons qui ont failli pousser le quadra derrière DWTN a abondonner femme, enfant, chat et travail dans une sorte de crise de la quarantaine désespérée. Le 8 Mai. La première journée s' annonce être une entrée en matière en douceur se reposant sur des valeurs sûrs. Les fans de reformations pourront aller jeter un oeil sur les cultissimes et essentiels DAF mais aussi sur l' ancien Gerald Donald (ex Drexciya!!!) avec son projet Dopplereffekt. Pour les fans de jazz et adeptes de fusion spirituelle il y aura Kamasi Washington peu de temps avant la sortie du successeur de son acclamé "The Epic". Le 9 Mai. La première nuit offrira son cortège d' habitués et de squatteurs de festival tel Chloé ou Rone. Je sais c' est pas franchement original et emballant mais ce soir-là sera marqué par un petit évènement qui risque bien d' avoir certaines conséquences sur les dancefloors français. Ou au moins, on l' espère beaucoup par ici. Il y' aura...unet grande nouveauté à Lyon...DU GQOM !!!!!!!!!!! DJ Lag himself viendra enfin en France histoire de faire comprendre à tous que ce genre musical mille fois traité ici est tout sauf une mode et un sous genre. Le 10 Mai. Les choses sérieuses commencent ce jour-là. Comme chaque la journée suit comme fil conducteur les choix d'un Dj célèbre et ce coup-ci c' est Daniel Avery qui va faire monter le niveau. On comptait pas trop sur le bonhomme tant ses tiques de pilleur du passé m'ont agacé mais à l' image de son dernier album un brin plus marqué par une vision originale ses choix s' avèrent passionnant. On passe très vite l' intéressante mais un brin mille fois entendue Helena Hauff et on vous conjure de se rendre au Sucre pour l'une des meilleurs soirées pour lecteur assidu de ce blog. Rien que l'observation des labels représentés évoque leur omniprésence dans ce blog.Imaginez, un artiste appelé à être signé chez WARP ou PAN, un autre pote avec Saint Dominick Fernow (Hospital Records) et enfin une habituée de chez Blackest Ever Black. Passer l' après midi en compagnie d' Alessandro Cortini auteur en 2018 du merveilleux "Avanti" avec son espèce d' électro ambient hauntologique mais toujours portée sur le futur celà a de quoi être une expérience gigantesque. Surtout si juste après vous vous prenez le vent glacé et la grande classe de Tropic Of Cancer et que le petit chouchou du blog mais aussi de Bjork et d' Aphex Twin va débarquer pour devenir l'une des révélations du festival, Lanark Artefax! Le reste de la journée s' annonce riche et on retiendra l' essentiel, notre gloire nationale Colleen qui aura tout loisir de dégonfler la baudruche qui la suivra, l'une des plus grosse véssies passées pour des lanternes depuis un lustre, les chiantissimes et niais Superorganism. Le 11 Mai. Petit coup de mou puisque les NS reparte sur un travers terriblement franchouillard. ON N'EN PEUT PLUS DE FOUR TET !!!! Enième venue du gars que l'on a adoré mais qui depuis trop longtemps se répète un peu trop et que l'on a également un peu trop vu. Mais comme il est un bon gars le Kieran Hebden il se rattrape en nous offrant Karen Gwyer et James Holden avec ses Animal Spirits. Les courageux pourront aussi tater ce que devient Floating Points, vieille hype pas franchement originale d'y il y a quelques temps. Pour le reste il y a du lourd. Du très lourd même. D' abord le traditionnel papi ressorti du musée électro et là on touche à ce qu'il y a de plus sacré. Il y a quelque semaines je vous balançais mon top de cette année importante que fut 1988. En bonne place bien sûr l' Acid House et Madchester et ...LARRY HEARD aka MR FINGERS pour son légendaire "Amnésia" !!! Et bien les Nuits Sonores 2018 vous offre ce monument historique des dancefloors à l' occasion de la sortie de son dernier et gentillet album "Cerebral Hemisphere". Mais il est sûr que tout bon connaisseur attendra impatiemment au cours de son set certains titres parmi les plus important de l'Histoire tel "Washing Machine", "Can you feel it" ou "Mystery love". Faudra penser à aller voir l'un des set les plus attendus et susceptible de mettre tout le monde d' accord, soit Bicep avec leur musique passe-partout. Il faudra parce que si le tout venant ira voir les deux précédents il est moins sûr que les deux suivants aient le même succés publique et pourtant! Les plus valeureux vont pouvoir d' abord se décrasser les oreilles sous les coups de Ben Frost. Juste ce qu'il faut pour voir le vrai génie de l' édition 2018 et l'un des très rares de notre époque. Le seul susceptible de briguer une petite place auprès des DAF ou de Larry Heard au panthéon de la musique . Lee Gamble est l' évènement des NS 2018. Le truc à ne pas louper. le machin dont les heureux élus pourront balancer à la face des jeunots dans quelques années. Le dernier jour s' annonce un brin léger par rapoort à ce qui l' aura précédé mais il y aura notre rital préféré Not Waving histoire de finir les derniers rescapés et aussi une occasion rare pour voir l'une des légendes de la cumbia sud-américaines, les LOS WEMBLER'S De IQUITOS.

DWTN a 5 ans. L' heure est venu de s' arrêter sur le bord de la route pour votre Kowalski* de "la musique pas comme les autres". Mais avant cela et parce qu'un anniversaire est une bonne occasion je tenais à remercier de tout mon coeur mes 3 à 5000 visiteurs mensuels. Chiffre inespéré compte-tenu de la faible médiatisation d'un petit blog comme tant d' autres. Un anniversaire c' est aussi le moment de regarder vers l' avenir en participant à des projets. Après avoir tenu le rôle de simple passionné et d'observateur, à se la jouer critique musical à la Lester Bangs du trou du cul du monde numérique , il est enfin venu le temps de franchir la barrière. Donc d'ici la fin de 2017 le "petit" Lester Bangs va faire place à une sorte de "petit" Tony Wilson. Attendez-vous à certaines annonces concernant ma humble participation à l' organisation de concerts sur Limoges (déjà débutée en 2016 aux côtés de Blue Monday, Melting Pop, Soundscape et le théâtre Expression 7 ). Mais pas seulement! L' heure est aussi venue d'une toute aussi humble participation à la diffusion et production vinyle de musique avec la génial Soundscape Collective. Vous vous apercevrez en observant ce blog que certains disques datent d' avant la création "officielle" de ce blog. Faut dire qu'en cherchant sur le net vous pouvez trouvez des tentatives avortées présageant DWTN qui existait déjà en 2010 au fond de mon cerveau malade. Certains de ces disques sont même essentiels dans ce qui me poussa à tenter à ma moindre échelle à vous faire partager des disques moins médiatisé en France (et ailleurs vue les nationalités visitant régulièrement ce site). Ce classement sera-t-il le même dans quelques temps? Probablement pas dans le détails parce qu' avoir du recule apporte toujours des changement et clarifie toujours un peu plus. Mais celui-ci donne assez bien une bonne idée de ce que j' ai voulu proposer comme alternative au panurgisme de nos chers médias musicaux et d'une grande partie de l'industrie musicale (label, tourneurs, programmateurs etc etc). De ce qui m'a plu, enthousiasmé et interrogé depuis 5 ans. N' y voyez pas là non plus un simple classement basé sur une quelconque notion de supériorité intrinsèque. Si certains sont moins bon ou abouti ils se révèlent à mes yeux d' une très grande importance pour l' évolution du blog dans ses coups de coeurs. (*: en référence au premier habillage visuel du blog) TOP 100 Récapitulatif ONEOHTRIX POINT NEVER Garden of delete DEMDIKE STARE Tryptych + Testpressing series HOLLY HERNDON Platform BANGS & WORKS VOLUME 1& 2: A Chicago Footwork Compilation RUSTIE Glass Swords ARIEL PINK'S HAUNTED GRAFFITI Before today JULIA HOLTER Ekstasis JAMES FERRARO Far Side Virtual JAM CITY Classical Curves ROLY PORTER Third Low THESE NEW PURITANS Hidden LAUREL HALO Quarantine DEAN BLUNT The Redeemer PETE SWANSON Man With Potential ANDY STOTT Luxury Problems ACTRESS R.I.P ARCA Mutant JLIN Dark Energy M.E.S.H. Piteous Gate TIM HECKER Ravedeath, 1972 LOGOS Cold Mission SHABAZZ PALACES Black Up FLYING LOTUS CosmogramMa RAIME Quarter Turns Over A Living Line JOHN MAUS We Must Become The Pitiless Censors Of Ourselves TRAXMAN Da Mind Of Traxman JULIANNA BARWICK The Magic Place GQOM OH! The Sound Of Durban GAZELLE TWIN Unflesh ELYSIA CRAMPTON American Drift GIRL BAND Holding Hands With Jamie HOLY OTHER Held MY BLOODY VALENTINE Mbv YELLOW SWANS Going Places DEDEKIND CUT $uccessor GANG GANG DANCE Eye Contact LEE GAMBLE Diversons 1994-1996 SCOTT WALKER Bish Bosch NOT WAVING Animals CARLA DAL FORNO You Know What's It's Like THE HAXAN CLOAK Excavation 2814 Rain Temple PRURIENT Bermuda Drain KUEDO Severant GROUPER AIA RP BOO Legacy BJÖRK Vulnicura SALEM King Night PJ HARVEY Let England Shake ONEOHTRIX POINT NEVER R Plus Seven DEATH GRIPS Exmilitary SAND CIRCLES Motor City MILES Fear HeaRted DJ RASHAD Welcome To The Chi, Teklife Volume 1 CHROMATICS Kill For Love SAVAGES Silence Yourself ICEAGE Plowing Into The Fiel Of Love HUERCO S For Those Of You Who Have Never SUN KILL MOON For Benji GODSPEED YOU BLACK EMPEROR ! Allelujah! Don't Bend Ascend HTRK Psychic 9-5 Club JAMES BLAKE James Blake KANYE WEST Yeezus LORENZO SENNI Superimpositions ENSEMBLE ECONOMIQUE The Fever Logic MOUNT EERIE Ocean Roar COLIN STETSON New History Warfare Volume 2 : Judges FACTORY FLOOR Factory Floor DIRTY BEACHES Badlands GROUPER Ruins FUCK BUTTONS Slow Focus VESSEL Punish, Honey JULIA HOLTER Have You In My Wilderness RANGERS Suburban Tours BON IVER Bon Iver, Bon Iver BEACH HOUSE Teen Dream GRUMBLING FUR Glynnaestra LOTIC Damsel In Distress PROTOMARTYR Under Color Of Official Right TAME IMPALA Lonerism DEERHUNTER Halcyon Digest THE SLAVES Ocean On ocean SOPHIE Product MR MITCH Parallel Memories EMERALDS Does It Look Like I'm Here ARCA Xen SWANS The Seer RASHAD BECKER Traditional Music Of Notional Species Volume 2 ANDY STOTT Passed Me/We Stay Together MARIA MINERVA Tallinn At Dawn RUN THE JEWELS Run The Jewels 2 THE CARETAKER A Empty Bliss Beyond This World CIRCUIT DES YEUX In Plain Speech VISIONIST Safe KEITH FULLERTON WHITMAN Desingenuity B/w Desingenuousness MICA LEVI Under The Skin OWEN PALLETT Heartland THE FAT WHITE FAMILY Champagne Holocaust ARIEL PINK Pom Pom EEK & ISLAM CHIPSY Kahraba

1. ex aequo KLEIN Tommy & FARAI Kisswell​ 3. CARLA DAL FORNO The Garden 4. LANARK ARTEFAX Whities 11 5. KELORA Boy & 999 6. DEDEKIND CUT The Expanding Domain 7. DAVY KEHOE Short Passing game 8. AMNESIA SCANNER AS Truth 9. PATTEN Requiem * 10. SADAF Shell 11. CS + KREME 12. ELYSIA CRAMPTON Spots Y Escupitajo 13. DOON KANDA (JESSE KANDA) Heart 14. KARYYN Quanta 1 15. M O R S E Vol. 1 * 16. PESSIMIST Pagans & Through the Fog 17. YALLI (RAIME) Dread Risk/U-Eff-O 18. DOMINOWE Siya Thakatha * 19. ANCIENT METHODS The First Siren * 20. VATICAN SHADOW Rubbish Of The Floodwaters & Luxor Necropolitics 21. SUNDAN ARCHIVES Sundan Archives 22. BURIAL Subtemple & Inner City Life remix for Goldie 23. NOT WAVING Populist & POWELL New Beta Vol.1 24. MMPH Dear God 25. BEN FROST Threshold of Faith 26. FATIMA AL QADIRI Shaneera 27. LAKKER Eris Harmonia 28. DJ NIGGA FOX 15 Barras 29. REGIS The Master Side 30. SAMUEL KERRIDGE The Silence Between Us HORS COMPETITION BRIAN ENO & KEVIN SHIELDS "Only once away my son"

Depuis que j' écris sur toutes ces musiques basées sur la déconstruction des clichés sonores dancefloors, ce que les anglo-saxons nomment "Post-Club/Dancefloor ou "Deconstructed club sound", une figure me revient sans cesse à l' esprit. Une figure centrale de notre époque à laquelle personne ne prête vraiment attention. Celle du type posté à l' entrée du club que l'on croise en entrant mais qui ne fait pas partie du service de sécu. Celui qui est bel et bien venu pour la musique en priorité mais qui défie les normes et la routine des clubs. Attention à ne pas confondre avec le pilier de bar ou le poseur social. Ou encore le simple fêtard consommateur majoritaire en France. Je vous parle du type qui ne fait rien comme les autres. Qui ne se contente pas de ce qui semble suffire à la majorité. On le nommera en 2017 James Whipple aka M.E.S.H. . Suffisamment avancé dans le couloir d' accès pour entendre ce que le Dj passe sur la piste mais refusant obstinément d' y rester comme les autres. De s' en satisfaire. Allant même parfois jusqu'à se sortir pour revenir quelques instants après. Ou pas. Mais diable e où peut-il bien aller? Faire! Refus de choisir ou simple hésitation? Cette figure si situationniste du type agissant à contre flux des autoroutes urbaines, pratiquant donc une sorte de Dérive Intra-muros et temporelle me rappelle une autre des clubs croisée il y a bien longtemps du côte de Manchester. Celle du dealer guettant le client entre deux salles thématiques, la piste "Rock" et la piste "Funk". Les deux musiques se mélangeant dans sa tête acidifiées le type décida d' en faire sa propre musique en créant un groupe. Il le nomma Happy Mondays et participa au phénomène Madchester ou Baggy Sound. On l' appelera Shaun Rider . Mais si il existe donc un point commun entre les deux figures ne respectant les signalisations et circulations sociales une troisième semble être aussi à convoquer. Celle du type apparu juste après le second. Alors lui, il est rentrée dans le club, il a écouté et volé les ingrédients sonores du cocktail, puis est reparti tranquillement chez lui pour bricoler ses propres ustensiles et produire une musique cocktail née sur les dancefloor mais absolument pas dansante au grès de ses expérimentation. C 'est qu'il ne voulait pas uniquement "danser" ce curieux personnage. Encore un "dangereux" anti-conformiste celui que l' on appellera Richard D James. La morale de toute cette histoire est facile à trouver. Ne jamais suivre aveuglément et ne jamais se contenter de ce qui a été fait. Tracer sa propre voie en faisant attention de ne pas se retrouver enfermé dans la niche/discothèque. Et ce sont les "parias" qui tracent le chemin suivi par les autres. Si le lien entre M.E.S.H. et Shaun Rider semble un peu tiré par les cheveux parce que le mancunien est malheureusement resté trop longtemps enfermé dans la boite de nuit (tellement défoncé qu'il était) celui entre l' américain résidant à Berlin et le génial cinglé de Cornouaille apparaît de plus en plus fort. Les deux n' ont pas hésité à sortir du club et si Aphex Twin semble n' être jamais revenu on peut le soupçonner fortement de roder sur le parking et de reluquer dans les caisses les sons de la nouvelle génération comme l'indiquent ses set-list actuelles. James Whipple est quant à lui revenu dans le club et pas par la petite porte. Des "fous furieux" (Bill Couligas boss de PAN en tête) aux yeux de bon nombre l' ont embauché comme DJ !!! Et lui aussi avait volé la liste des ingrédient du cocktail pour en faire un à sa manière. Une boisson à la fois plus piquante et suave, plus stimulante qu' abrutissante. C' est acté dans son deuxième album, "Hesaitix". Et il n' est pas le seul en cet automne 2017, un autre appelé Lee Gamble a fait exactement la même chose (voir par là). M.E.S.H. avec le successeur du monstrueux "Piteous Gate" en 2015 (voir ici) se montre plus poli et courtois qu' il y a deux ans. Moins agressif et obstiné que Richard D James. Même si ce dernier agrémentait sa recette de breakbeat jungle par instant histoire de se faufiler aux dépends des videurs gardien du temple hédoniste. L' abstraction toujours présente se retrouve confrontée à des rythmiques plus accentuées ou un poil plus évoquées. On retrouve ainsi sur "Hesaitix" les deux faces du producteur. Celles plus expérimentale de cet hallucinant et obligatoire "Piteous Gate" que DWTN avait classé 2ème meilleur album mais aussi celle plus assimilable par les dancefloors classiques de son EP jouisseur "Damaged Merc" (lui aussi classé en 2016). On alterne tout au long des 11 titres entre plages "dansantes", remarquez bien les guillemets, et plage "ambiante". Remarquez ici aussi les guillemets histoire de ne pas tomber dans la caricature de l' ambient symbole de musique planante inoffensive. M.E.S.H. offre de l' ambient une vision dystopique donc fatalement flippante par instant et futuriste plutot qu'un retour sur des espèves de fondamentaux "naturels" et/ou"authentiques". Trait commun entre ses deux faces qu' il mélange avec réussite ici pour n'en faire qu'une, une gamme sonore digitale reluquant sur le noise et la "nature". Comme depuis toujours il y a à la fois une sensation et une fascination affichée pour la technologie et un petit quelque chose d' organique. Et des nouvelles technologie ou de la nature on oublie les a-priori, la seconde peut se révéler autant flippante que la première finalement plus rassurante. Encore une fois c' est le futur que Whipple nous donne à voir. C 'est même plus fort encore, il nous y téléporte et pour celà réussit à faire de nous des cyborgues. A la question que tout bon fan un brin simpliste de Blade Runner se pose, "Deckard est-il humain ou replicant?" M.E.S.H. et d' autres cherche plutot à répondre à "Un replicant n' est-il pas un peu humain?". Le post-club des M.E.S.H., Lotic ou Gamble répondent aussi bien que l'IDM des Aphex Twin et autres Autechre à la question débile "la technologie va-t-elle tuer l' humanité" et en celà sont devenus au fil des sorties les plus parfaits descendants de la clique tournant en orbite autour du laboratoir spatial lancé dans les 90's, WARP. De toute façon il y a bien longtemps que PAN et Berlin sont devenus la NASA et le Cap Canaveral de notre époque pour ceux désirant voir et aller plus loin. Si Aphex Twin était un Youri Gargarine jamais revenu sur terre M.E.S.H. semble bien être devenu avec les autres notre Neil Armstrong.

Je n' espérais plus grand chose de Karin Dreijer aka Fever Ray tant je m' étais résolu à considérer son projet solo comme un geste sans suite. Mais bon dieu, quel geste! Que ce soit avec The Knife (et donc son frangin) ou en solo avec son album éponyme de 2009 (très bonne année) il est devenu clair aux fils des années que les deux faces de sa carrière ont changé beaucoup de chose dont on peine encore à mesurer l' étendue des conséquence sur l' ensemble de la production musicale. Il faut faire l' effort de se remettre dans le zeitgeist des 00's rétrogaga pour comprendre à quel point elle et son frère ont participé à changer la donne. Peut être moins frontalement qu' un Burial à première vue mais d'une certaine manière tout autant vicieusement qu' un John Maus ou Ariel Pink. Si tout leurs fans n' ont pas eu la même lecture une petite partie avait compris qu' ils étaient une porte de sortie à la mélasse ambiante plutot qu' un énième exercice revivaliste. Avec les trois noms cités et sans réellement offrir une radicale nouveauté sonore Karin Dreijer nous a au moins donné le machin qui manquait tant face à tous les revivals déjà omniprésent. L' étrange. Une anormalité salvatrice anti-routine et ronronnement rétro. La marche avant était réenclenchée et prenait l' apparence d' un chamanisme nordique venu de la nuit des temps teinté de technologie futuriste. Comme les autres il y avait bien quelque chose de déjà entendu avec leur synth-pop so 80's mais via le brassage des influence et leur tradition gothique scandinave nous découvrions des territoires inconnus. Après des années de revival rock et post-punk facile et chaleureux le son de sa voix semblant venir des tréfonds à grand coup de filtrage faisait entrer une rigueur glaciale revigorante. Le malaise, le dark, redevenaient une alternative. La trilogie de Cure remise au goût du jour sans les clichés guitaristiques à la Interpol. C' est par elle que le souvenir des Cocteau Twins allait réapparaître dans les chroniques et chez bon nombres d' artistes. Mais Fever Ray dépassait bien largement la niche stylistique et culturelle 80's/"New Wave. La deuxième vague électro tendance IDM était passée par là. Aphex Twin, Autechre jusqu'à reluquer Boards Of Canada. "Plunge" vient de débarquer dans nos vie à l' improviste en fracassant tout sur son passage comme "Fever Ray" et même si le choc semble moins marquant qu'en 2009 ce dernier album va encore compter . Dreijer apparaît un peu moins comme une tête de pont brûtale tant le dark et le gothique sont redevenus monaie courante à qui s' en donne la peine mais aussi parce qu' elle délaisse les longues montées engourdies pour plus d' évidence et de rapidité à l'image de son phrasé. Je dirai qu' elle se "Depeche Moderise". En gros ça signifie que l'on va pouvoir faire chuter la température des piste de danse et des apéritif dinatoire sans faire fuir ou bayer aux corneilles les chochottes et autres fêtards. La suédoise réussit le tour de passe-passe d' être à la fois plus "pop dansant" et plus sérieuse et agressive. Pour cela elle se renouvelle via toutes les nouvelles formes de rythmiques apparues depuis 2009. La présence de la portugaise Nidia fait monter les beat à 160 dopés qu'ils sont par leurs origines kuduro et on entrappaercoit le spectre footworkien. Quand ce n' est pas sur le rythme Fever Ray modernise sa synth pop analogique par de subtile touche digitale et techno. Errorsmith et Mannerfeld (présent sur l' enregistrement) sont à cité tout comme l' autre avant garde tant aimé par ici, Arca ou le post internet de PC Music. Moderne musicalement "Plunge" l' est aussi en collant à l' air du temps contrairement à "Fever Ray". Si ce dernier préfigurait et mettait en garde face à l' aspect dystopique de notre présent "Plunge" est la phase suivante, le futur. "Au combat !" semble nous cracher à la gueule Dreijer tout au long des 11 titres. Acte politique avec pour arme l' intimité et la débauche. Cet album redonne au sexe un aspect politique et rédempteur. Après le dernier The Knife sur les même thèmes elle enfonce le clou. En ligne de mire de la suédoise le nucléaire, les anti avortement, la pollution. Ses référence? L' anarchisme et son auto-détermination. Comment elle s'y prend en musique ? Elle donne un élément de réponse quand par exemple elle explique : "La chanson est une prothèse qui s' étend comme un membre dans nos intestins pour sortir notre coeur à moitié digéré"

On avait déjà croiser ce rouquin, écossais fatalement, au moment de la sortie du plus beau titre de Kuedo, "Work live and sleep in collapsing space". Il nous avait offert un remix particulièrement réussi lui permettant de signer illico chez Planet Mu. Un premier ep nous le présenta comme une nouvelle étoile dans la galaxie du Oneohtrix Point Never première perriode, celle des synthés planant et new age. Voici venu le temps du format long et le moins que l'on puisse dire c' est que notre rouquin tout en continuant de suivre de loin l' américain dans ses approches hauntologiques trace son propre chemin. Par son origine Speeed n' a pas tout à fait les même références que Lopantin et c'est bel et bien ceci qui sert avant tout comme gage de différence. L' écossais se rapprocherait plus pour ses connaissances historiques européennes du dancefloor mutant d' un Lee Gamble ou d' un Lorenzo Senni. Une sorte d' alter ego version club de Leyland Kirbye . On retrouve dans son "Infinity Ultra" quelques traces de rave comme Gamble, des mutations trance digne de Senni et même de gros résidus hardcore. Je parlais d' Hauntologie et donc de questionnement à nos souvenirs mais Speed s' occupe aussi de notre présent dystopique et technologique comme le dévoilent certains de ses attraits vaporwave et maximalistes. Il raconte avoir voulu créer "un espace abstrait pour traiter l' oppression, la confusion et la folie de l' âge contemporain". Et de préciser en parlant de "tristesse des rave". Ce qui l' intéresse en fait, ce serait de décrire l' avant et l' après dancefloor avec les éléments de language trafiqués de ce dernier. Afin d' atteindre cette "abstraction" il passe d'un mode ambient à un autre beaucoup plus noisy et développe ainsi chez l' auditeur la même inquiétude étouffée que nous ressentons en chacun de nous comme dans la société dans son ensemble. Il réussit la parfaite et rare symbiose entre le disque au vertu cicatrisante et celui qui ne nous épargne aucunes turpitudes de la triste réalité. Speeed c' est un peu comme une machine à laver, rinçage et essorage compris. Les textures dancefloor 90's subissent un véritable toilettage moderniste et déformant. Les textures mais aussi les mélodies. Il faut préciser au sujet de ces dernières que bon nombres d' entre elles risquent surprendre par leurs origines. L' écossais ne se contente pas du dancefloor des 90's, il maltraite également d' autres choses de la même époque bien connues par ici . Au détour de "Moonchord Supermagic" ne vous frottez pas les oreilles si vous pensez Boards Of Canada. "Entering the zone" quant à lui vous fera bien sûr penser à Lopatin mais un Lopatin jouant avec un batteur post-rock. Et que dire du petit bijou à la fin du disque, "Dream Dream". Animal Collective qui fait du shoegaze grandiloquent façon M83. On peut soupçonner à juste titre l' écossais d' avoir un passif indie puisqu'il débuta dans une formation post-rock. Qui plus est dans la patrie de Mogwai. Les guitares de sa jeunesse on les retrouve sur "800 Super Nyc" mais elles aussi subissent le même sort que les éléments de language des club. Comme Mogwai il use du spectre entier de l' art de la distortion pour apaiser comme pour électriser. "Infinity Ultra" est à la fois une libération maximaliste de pulsions refoulées et un baume hypnagogique aux senteurs nostalgiques. Premier essai transformé pour cet enfant illégitime de Daniel Lopatin et de Mogwai !